WELCOME TO HELL!!!

WELCOME TO HELL!!!
"Selamat Datang Ke Dunia Penuh Pancaroba"
Pengenalan
Sebuah pementasan tidak kira sama ada pementasan teater, tari, opera, ballet atau konsert boleh dipersembahkan di mana-mana sahaja. Apa yang diperlukan hanyalah sekumpulan pemain dan penonton. Namun, kehadiran atau kewujudan elemen tambahan seperti set, prop dan pencahayaaan bukan sahaja akan memperkayakan lagi bentuk persembahan malahan turut memperkayakan mutu persembahan pemain dan meningkatkan nilai estetika penonton yang menyaksikan pementasan tersebut. Namun dalam pementasan tarian, penggunaan set latar, prop yang besar dan menarik bukan menjadi satu keutamaan yang besar. Elemen visual tersebut bukan tidak perlu tetapi ia tidak menjadi suatu kemestian sepertimana di dalam pementasan teater. Tarian tidak terlalu bergantung kepada elemen latar fizikal seperti yang dinyatakan itu tetapi lebih bergantung kepada keupayaan penari tersebut.
Walaupun begitu, untuk menafikan terus ketidakperluan kepada elemen visual adalah satu kesalahan dalam pementasan pentas. Setiap bentuk persembahan pentas memerlukan penataan pencahayaan tersendiri. Pencahayaan merupakan salah satu elemen visual yang penting. Elemen pencahayaan dalam seni pementasan khususnya tarian, selain daripada bertujuan untuk menerangi tubuh dan pergerakan penari, ia turut memainkan peranan sebagai agen dramatik dalam tarian, mengawal dan menarik perhatian, melakar dan membentuk imej, menyalur maklumat mengenai masa dan tempat, menyumbang kepada pengkayaan teknik dan mood serta menyampaikan idea-idea. Teknikal pencahayaan di dalam tarian tidaklah perlu serumit dalam pementasan teater. Ia hendaklah seringkas yang mungkin tetapi tidaklah sampai menjejaskan kualiti dan konsep tarian itu sendiri. Ringkas tetapi mampu menampilkan mood, warna dan kehidupan kepada tarian tersebut. Peranan pencahayaan tarian perlu bukan sahaja untuk tujuan hiburan semata malah ia sebagai satu cara untuk memberikan ‘nyawa’ kepada persembahan tarian itu.



Fungsi Pencahayaan Pentas
Keindahan dalam pementasan hanyalah satu elemen kecil dan bukan satu keutamaan dasar. Namun begitu pencahayaan dalam pementasan tarian mestilah dibuat secara teratur dan sistematik. Pencahayaan tersebut tidak boleh dibuat sesuka hati dan sekadar untuk mencantikkan pentas dan persembahan sahaja. Pencahayaan tarian mempunyai fungsi dan tatacara tertentu yang perlu difahami dan dipatuhi. Terdapat enam fungsi pencahayaan dalam pementasan; kejelasan, mood, komposisi, focus, kesatuan dan kredibiliti.

Kejelasan (Visibility)
Kejelasan bermaksud kemampuan melihat secara jelas apa yang berlaku di atas pentas. Namun itu bukan bermakna setiap sudut pentas atau penari itu mesti disinari oleh cahaya sepanjang masa. Memadai hanya menyinari sebahagian ruang atau penari sahaja mengikut keperluan skrip dan sutradara. Kejelasan tertakluk juga dan bergantung kepada tahap ilmunisasi yang digunakan. Ini bergantung kepada kehendak skrip dan mood yang diperlukan. Dalam persembahan tarian, cahaya yang digunakan itu mestilah mampu menerangkan susuk tubuh dan gerak penari mengikut keperluan dan kesesuaian naskah. Hanya ruang yang digunakan untuk bergerak sahaja yang harus diterangi, sementara ruang lain boleh sahaja disuramkan atau digelapkan.

Mood dan Komposisi
Mood merujuk kepada kesan emosi hasil stimulasi olek kualiti, warna dan komposisi pencahayaan yang digunakan. Sementara komposisi pula adalah gubahan gambaran persembahan yang diciptakan oleh pencahayaan hasil gabungan bersama dengan penari, set, prop, kostum dan rias. Pemilihan warna cahaya itu bergantung kepada keperluan dan mood persembahan tarian itu sendiri. Yang penting ialah bagaimana komposisi cahaya itu dihasilkan menentukan corak penghasilan persembahan tersebut.

Fokus
Fokus dapatlah dimaksudkan sebagai kemampuan pencahayaan yang dipancarkan untuk menarik perhatian penonton terhadap apa yang ingin ditonjolkan oleh penari. Ia boleh dilakukan dengan memberikan mood dan gabungan komposisi warna yang sesuai pada ruang atau penari yang mahu difokuskan.

Kredibiliti
Kredibiliti melibatkan kemampuan pencahayaan mewujudkan kepercayaan sementara penonton terhadap situasi yang dipaparkan di atas pentas. Ini bukan bermakna situasi dramatik tersebut mesti dihasilkan secara realistik. Contohnya, skrip memerlukan latar suasana yang gelap gelita di dalam bilik, maka di atas pentas tidaklah boleh digelapkan sahaja ruang persembahan sebagai memenuhi kehendak skrip. Perlu dipancarkan kualiti cahaya yang sesuai agar penonton dapat melihat aksi yang terhasil atau apa jua yang perlu dilihat penonton. Ini berbalik semula kepada fungsi visibiliti tadi.

Kesatuan
Kesatuan melibatkan kemampuan pencahayaan menggabungjalinkan stail, warna dan lain-lain elemen dalam produksi; set, prop, kostum dan rias. Sistem penggubahan pencahayaan seperti yang telah sedia maklum akan hanya boleh dilaksanakan apabila semua elemen lain seperti yang dinyatakan sebelum ini telah berjaya disatukan dan disiapkan. Semua fungsi yang dinyatakan itu memberikan kesan yang besar kepada pementasan sama ada ia dirancang ataupun tidak. Walau bagaimanapun, fungsi-fungsi ini digunakan termasuklah kuantiti pencahayaan, sudut arahan, pergerakan, warna dan kuantiti pencahayaan. Kuantiti tersebut sebagai intensiti yang menjelaskan tentang tahap kuantiti cahaya yang digunakan. Kuantiti cahaya yang digunakan bakal menghasilkan kuantiti terang atau suram sesuatu objek yang dipancarkan cahaya ke arahnya. Ini boleh terhasil bergantung kepada jenis lampu yang digunakan, susun letak lampu, media warna yang digunakan atau lain-lain aksesori yang dipakai bersamanya.

Sudut Arah
Sudut arah atau direction merujuk kepada sudut di mana pencahayaan itu dipancarkan di atas pentas. Susun letak lampu baik di hadapan, sisi, bawah, atas atau belakang penari memberikan kesan yang berbeza. Kedudukan ini bakal menentukan atau mengubah bentuk tiga dimensi penari atau objek tersebut.



Pergerakan
Pergerakan melibatkan apa jua perubahan cahaya bagi menggambarkan pergerakan suasana dalam pementasan seperti terang dan gelap, perubahan waktu dan sebagainya. Sebarang perubahan cahaya akan menimbulkan keadaan suasana yang memberikan kesan kepada penonton.

Warna
Penggunaan warna memberikan kesan yang besar kepada mood persembahan. Penggunaan warna memberikan interpretasi berbeza terhadap mood dan situasi yang digambarkan. Contohnya, warna biru yang melambangkan kesayuan, mimpi dan sebagainya.

Tekstur
Ia melibatkan variasi kualiti cahaya yang digunakan. Iluminasi boleh sahaja bersifat lembut atau terfokus kepada keperluan persembahan. Penghasilan tekstur cahaya melibatkan pengawalan kuantiti pencahayaan yang digunakan. Ini boleh terhasil dengan penggunaan penapis atau filter dan jenis lampu.

Pencahayaan amat penting untuk memberi gambaran situasi daripada masa kini ke masa silam, menyinari gerak penari dan mempertajamkan ekspresi gerak dan tubuh penari, menambahkan mood dan atmosfera kepada sesuatu persembahan iaitu dengan permainan warna dalam pencahayaan pentas. Sebagai contoh warna terang menggambarkan keceriaan dan keseronokan, warna sejuk menggambarkan sesuatu perasaan dan keadaan kemurungan. Low lighting yang memberikan efek bayang-bayang mungkin menggambarkan keadaan misteri dan seram. Selain itu, pencahayaan dapat mencipta komposisi dengan menunjukan pandangan mata penonton kepada elemen-elemen yang penting iaitu dengan penggunaan teknik pencahayaan fokus. Pencahayaan juga dapat mencipta dimensi terhadap objek di atas pentas. Objek yang berbentuk tiga dimensi akan kelihatan rata jika lampu dipancarkan kepada satu arah sahaja. Namun begitu, bentuknya akan kelihatan jika memancarkan pencahayaan dipelbagai sudut dengan memanipulasi permainan sudut seperti backlight, downlight, frontlight dan crossing light. Pencahayaan juga mampu menonjolkan sesebuah stail dalam pementasan. Pencahayaan juga mampu memperjelaskan perkembangan aksi dramatik dalam sesebuah persembahan dengan menonjolkan mood perasaan dan juga perubahan mood yang berlaku bagi setiap adegan contohnya perubahan daripada perasaan ceria kepada rasa marah.

Jenis-jenis Intrumentasi Lampu
Terdapat pelbagai jenis lampu yang sering digunakan seperti lampu Par Can, Fresnel, Ellipsoidal dan Spot. Setiap lampu tersebut mempunyai kelebihan dan kelemahan masing-masing. Lampu Par Can yang dicipta oleh Clarence Birdseye, pelopor makanan sejukbeku, adalah lampu yang paling praktikal dan banyak digunakan kerana ketahanan dan kelasakannya. Lampu ini boleh digunakan untuk kegunaan dalam dewan dan juga luar dewan. Ia ada banyak jenis dan saiz namun Par-64 8 inci yang juga dikenali sebagai `Par can’ berkapasiti 1000Watt merupakan yang paling kerap digunakan oleh kebanyakan penggiat teater Kelemahannya ialah cahaya lampunya berserak (spread) dan kemampuan fokusnya juga agak terhad. Tetingkap (barn door) di gunakan untuk mengawal serakan cahaya yang terhasil melalui lampu Par ini. Ia juga sesuai digunakan sebagai lampu belakang pentas seperti Fresnel namun agak sukar untuk menggabungkan lampu Par dengan lampu-lampu lain yang bukan sejenis dengannya.

PAR-64
1.Soket lampu
2.kekunci belakang untuk membuka lampu
3.Yoke
4.kabel wayar (Three-wire)
5.lampu par-64 1000 watt
6.pengadang cahaya
7. pemegang bingkai pewarna (color-frame).

Lampu fresnel yang juga disebut `Fra-nel’ yang dicipta oleh Augustin-Jean Fresnel, menghasilkan cahaya lembut dan luas kerana lensa plano-convexnya yang unik. Lampu ini biasanya digunakan untuk menerangkan kawasan yang agak luas dan diletakkan sama ada di bahagian belakang pentas atau di kawasan hadapan pentas. Lampu ini juga mempunyai focus yang dikenali sebagai flood focus; serakan pencahayaan yang luas dan spot focus: serakan pencahayaan yang paling kecil.

Fresnel Spotlight
1. Penyambung twist-lock
2. Wayar penebat getah
3. Pembias Cembung
4. Lubang pengalir udara
5. Yoke
6. Mentol pra-fokus Quartz
7. Lensa
8. Pemegang bingkai berwarna
9-11.Pemfokus mentol

Sementara itu lampu ellipsoidal reflector spotlight (ERS) yang juga dikenali sebagai lekos, Kleiglight atau cannon mempunyai laras fokus yang boleh digunakan untuk memfokuskan cahaya mengikut kesesuaian. Di hujung lampu ini juga terdapat slot gobo untuk membuat kesan khas. Lampu ini sering digunakan sebagai lampu hadapan (front) dan mempunyai variasi fokus sinaran menggunakan shutters, iris dan gobo.

Ellipsoidal Reflector Spotlight
1. Pemegang lampu
2. Mentol berprestasi tinggi
3. pembias ellipsoidal bersalut besi atau kaca
4. aperature
5. shutter atas mengawal bentuk sinaran di bahagian bawah
6. slot gobo
7. lensa plano-convex
8 & 9. pemegang bingkai berwarna
10. Pengawal focus lampu
11. pengunci
12. pemegang rotasi
13. Shutter bawah
14. pengawal fokus cahaya

Rekaan di dalam Pencahayaan Dekon
Setiap fungsi yang telah dinyatakan sebelum ini boleh dicapai dengan pelbagai cara. Dalam rekaan pencahayaan, perkara yang paling dasar yang perlu difahami untuk rekaan pencahayaan ialah susun letak peralatan lampu yang digunakan, warna yang digunakan dan lain-lain kesan khas yang dipakai. Untuk memahami konsep rekaan dalam sistem pencahayaan tarian, perlulah difahami terlebih dahulu istilah-istilah yang digunapakai untuk menyesuaikan kedudukan lampu.

High angle – merujuk kepada kedudukan peralatan lampu yang diletakkan secara sudut menegak 60 darjah atau lebih dari kedudukan kepala/muka penari.

Low-angle – merujuk kepada peralatan lampu yang diletakkan secara menegak antara 25 ke 30 darjah dari kedudukan kepala/muka penari.

Backlight – peralatan lampu yang diletakkan menegak di belakang kepala penari dalam kedudukan high-angle antara 60 ke 75 darjah. Ia menghasilkan bayang yang pendek di hadapan penari tersebut.

Downlight – peralatan lampu yang biasanya diletakkan tepat di ats kedudukan kepala penari dan cahaya terus ke bawah. Ia menghasilkan kesan bayang yang agak dalam pada wajah dan tubuh penari terutamapada bawah mata dan bawah hidung.

Sidelight – peralatan lampu yang diletakkan di sisi kiri atau kanan penari. Kedudukan lampu tersebut boleh sahaja diletak pada kedudukan high-angle 45 ke 60 darjah, sama paras dengan penari atau berdekatan dengan lantai pentas.

Teknik Pencahayaan di Pentas Proscenium
Pementasan menggunakan pentas proscenium bakal menuntut penggunaan rekaan pencahayaan yang berbeza dengan pementasan yang dibuat di dalam pentas arena. Sistem pencahayaan yang diperkenalkan oleh Prof. Stanley McCandless menghasilkan teknik pencahayaan McCandless telah dipilih, namun ia bukanlah dianggap sebagai sistem yang terbaik untuk digunapakai, tetapi cukup untuk menjadi topik kajian tentang teknikal pencahayaan dalam tari. Pencahayaan McCandless menjelaskan teori penggunaan sudut dan warna dalam pencahayaan. Warna melibatkan penggunaan warna cool (biru, hijau, dan warna neutral seperti putih, kelabu) untuk satu sudut dan warna warm (merah, oren, dan kuning) untuk satu sudut yang lain.

Merujuk kepada sistem yang diperkenalkan oleh McCandless, terdapat beberapa tatacara projeksi pencahayaan seperti:

Single-Point Lighting (SPL)
Bagi kumpulan produksi yang kekurangan kemudahan pencahayaan, peralatan lampu yang digunakan hanyalah bertujuan menerangi sudut ruang atau tubuh penari sahaja. SPL secara umumnya bermaksud satu lampu digunakan untuk menerangi setiap sudut kawasan lakon yang diperlukan. Namun, dalam konteks yang lebih luas ia bermaksud satu sudut pencahayaan untuk satu kawasan. Seleksi sudut pencahayaannya mestilah dilakukan dengan teliti kerana satu lampu perlu memainkan peranan yang besar. Lampu perlu diletakkan terus di hadapan ruang persembahan pada sudut menegak 45 ke 60 darjah bagi menghasilkan pencahayaan yang ‘natural’ (bayang yang normal). Sudut pilihan ini bagi mengelakkan bayang yang terhasil tidak jatuh pada set atau bertindan dengan bayang penari lain. Semakin rendah sudut pilihan itu maka bayang yang terhasil juga akan lebih ketara. Sudut pilihan 30 darjah menghasilkan dua ‘persembahan’ penari dan bayangnya. Jika sudut pilihan melebihi 60 darjah, bayang pada wajah dan tubuh penari akan tenggelam dan kelam.

Two-Point Lighting
Projeksi menggunakan dua sudut pencahayaan ialah satu lampu di hadapan penari dalam sudut menegak 45 darjah, dan lampu kedua diletakkan di belakang penari dalam sudut menegak 60 ke 70 darjah. Teknik pencahayaan ini juga boleh melibatkan penggunaan dua lampu dari belakang dan satu lampu dari hadapan. Ini disebut sebagai double-hanging. Contohnya lampu belakang menggunakan warna biru dan merah, menggunakan kawalan berasingan sementara lampu hadapan bersifat ‘natural’. Perubahan pergerakan cahaya warna biru ke merah tanpa perlu mengubah warna cahaya di hadapan sesuai digunakan untuk menunjukkan perubahan masa yang berlalu.

Kedudukan lampu-lampu dalam teknik ini boleh diletakkan dengan pelbagai cara yang bakal menghasilkan kesan berbeza; lampu belakang diletakkan di tempat yang sama; menegak 45 darjah, lampu hadapan diletakkan ke sisi sedikit daripada wajah penari dalam sudut yang sama. Ini akan menghasilkan bayang yang lebih ketara pada wajah penari. Selain daripada meletakkan lampu bertentangan antara satu sama lain, kali ini lampu belakang diletakkan di sudut sisi penari dan mengekalkan kedudukan lampu hadapan. Lampu hadapan ini menghasilkan bentuk wajah 3 dimensi secara jelas tetapi lampu sisi menghasilkan bayang kelam pada wajah dan tubuh penari.

Three-Point Lighting & Four-Point Lighting
Ia mempunyai fungsi yang hamper sama dengan two-point cuma dengan penambahan satu atau dua sudut lagi akan memberikan kesan tiga dimensi yang lebih baik berbanding teknik two-point. Berikut adalah contoh penggunaan three-point dan four-point lighting.

Multi-Point Lighting
Penggunaan sudut pancahayaan melebihi empat dikenali sebagai multi-point lighting. Bagi pentas yang mempunyai banyak peralatan pencahayaan, teknik multi-point boleh dilaksanakan. Tarian yang mempunyai banyak pergerakan besar dan luas, teknik multi-point ini sesuai digunakan.
signed Daddy Long-Legged author
Have you always wanted to try your hand at creative writing? Maybe you've got a story you've been thinking about for years, but weren't quite sure you'd be able to put it into words. How to Write a Short Story describes the techniques and practices that will help you put your ideas into short story form so you can share them with the world, or maybe just your closest friends.
Introduction
There is something about storytellers that fascinates each and every one of us. Whether it's a good book, a story in a magazine or the classic tale told around the campfire, the elements of those stories hold us enthralled. If you are writing as a result of an English class assignment, or you've just always wanted to try your hand at creative writing, the short story is a great place to start.
Believe it or not, each story, no matter what genre it falls under, contains the same basic elements. Characters, dialogue, setting and action follow a simple pattern of events to a climax, and as the tension and excitement build, so does the story itself.

Read, Read, Read!

One of the most important tools of writing is reading. Most writers discover their love for the written word in the pages of a favorite book. Reading is inspirational to writers on many levels. Not only is it imperative to research the subject matter you wish to write about, but you can learn a lot about style, syntax and structure from other writers.
Inspiration can also be found in the worlds created by other writers. Take the science-fiction/fantasy series Dragonlance. The original writers of the first Dragonlance books, Margaret Weis and Tracy Hickman, drew inspiration for their series from the popular role-playing game Dungeons and Dragons. Much of Dungeons and Dragons was inspired by the the works of J.R.R. Tolkien of The Hobbit and The Lord of the Rings fame. Tolkien himself found inspiration in early Anglo-Saxon literature in stories like Beowulf and Poetic and Prose Eddas from Norway.

3. Read to strengthen your writing skills.
4. Do background research for your own stories by reading.
5. Read for inspiration.

The Basic Components

When you take a story and break it down, you will usually find the same five basic components:
1. Protagonist (Main Character)
2. Setting
3. Conflict/Antagonist
4. Climax
5. Resolution

Protagonist
The protagonist is the "I Want" or "I Need" character that drives the plot of the story. It is your job as the writer to give this character a goal or desire and then set up obstacles to the achievement to that goal. Since the protagonist is your main character, you want to know everything about this person. The more you know, the more realistic he or she becomes and the easier it is for readers to identify with and believe in his or her plight.

Setting
Setting is essential to a story in that it helps to put your readers on familiar ground with your characters. It explores the time, the place, and the elements surrounding your character. Keep in mind that the events in a short story usually cover a relatively short amount of time.

Central Conflict/Antagonist
The antagonist is the main obstacle your protagonist must confront to reach his or her goal. Often the antagonist will materialize as a secondary character or group of characters in the plot. Antagonists can be other people, events or just about anything that has a habit of getting in the way of your protagonist reaching the goal you've set up. Just as your protagonist is in an "I need" frame of mind, so too is your antagonist, though the antagonist's need is to thwart every attempt of your protagonist.

The story wouldn't be interesting without the conflict, and getting through it can't be easy or else readers will wind up dissatisfied. You want to make sure your conflict intensifies gradually until it reaches a breaking point.

As an example, your character needs to reach her destination, but her car breaks down. She calls a taxi, but when the driver shows up, she can't find her wallet. Her best friend comes along and offers her a ride, but on the way they get stuck in traffic. These little events actively work against your character and build the tension to a breaking point.

Climax
This breaking point will result in the climax. The character realizes that her destination is only a couple of blocks from where she is stuck in traffic, and if she gets out and runs she'll just make it on time. You're at the highest peak in the roller coaster ride, and there's nowhere to go now but down. The climax is the release your protagonist finds after a long and arduous struggle against the odds.

Resolution
The conflict has been resolved, and it is time to wind the story down. Resolution does not always mean "happy ending", but in some cases it will. For example, the protagonist mentioned in the above example arrives at her destination just in time for her appointment. What happens from there determines whether she has a happy or unhappy ending, but the most important thing is that you've solved the central conflict by getting her to her destination. Try to avoid tying up all the loose ends into a neat little bow. Life itself doesn't wrap up that way, so neither should your fiction.

The Story in Three Parts
Within the five essential parts that make up the short story, the actual story itself will break down into three sections: the beginning, middle and ending.

First Paragraph
The first paragraph is one of the most important paragraphs in the entire story. It is the bait that will capture your reader so you can reel them into the rest of the story. Start out with a catchy sentence and follow it with enough detail to entice your reader to read on. Get the action started quickly in a short story because you only have a limited amount of time in which to tell things.

The Body
The body of your story is going to contain the majority of your plot. Your protagonist's conflicts and interaction with the antagonist will follow through to the climax. The key to this section is making sure that your writing remains fresh and consistent. You may find while you're writing that you want to break away from the original plan or outline. Don't be afraid to follow your instincts.

Conclusion
You've resolved the major conflict and are ready to end the story. There are several ways to stylistically end a story. You can use character dialogue, character revelation, parallel events that occurred in the beginning, an image or event representative of the resolution or a symbolic image or event. You may feel compelled to wrap everything up neatly, but don't overdo it. Don't force the resolution for your reader, it is something that should occur naturally.

Step 1: Turn on the Idea Machine
The human imagination is an idea machine. You just need to know how to turn it on. For some writers the idea machine never seems to sleep, while others need a jump start to help them get things rolling. Here are a few tips that will help you get your idea machine started:

1. There's nothing quite like a good brainstorm! Brainstorming is the process of writing down whatever comes to mind for a period of time and then mining the results for that golden idea. Don't censor yourself when you brainstorm. Write down every nutty idea that pops into your mind.

2. Scan newspapers and magazine articles for interesting tidbits that can be turned into plot.

3. Draw from personal experience. It's a lot easier than you might think to turn your life into fiction.

4. Use an online story generator. Many online story generators provide you with a protagonist, setting and antagonist. It's up to you to put them together and see how it turns out.

5. Ideas can strike anywhere, so be sure to carry a notepad with you to jot down any ideas that pop up while you're on the go.

Step 2: Research and Outlines
Now that you've come up with an idea and you know the five elements that every good story requires, you're ready to get to work on the foundation for your short story.

Research
Research is an essential tool in the writing process. It pays to know your subject material forward and backward because it will increase the believability of your story.

1. The library is a great place to begin research. Many libraries now offer the convenience of wireless internet, so if you have a laptop, you can take it along.

2. The internet has become an invaluable resource, often providing library access to online articles and journals from the comfort of your own home.

3. There is no better research than hands-on experience, so if it's possible for you to spend some time around your subject matter, by all means do so.

Outlines
If you prefer outlining your story so you have a reference point to refer to, start by mapping things out scene by scene. You can break those scenes down into smaller pieces once you've got the overall plot outlined. Because you're only writing a short story, a short outline will do.

1. Break things down scene by scene.
2. Break down scenes to include important information on characters, setting and actions.
3. Use index cards or post-it notes to keep track of ideas.
4. As mentioned earlier, believable characters are at the hub of all good stories. Spend some time getting to know your characters by mapping out a character outline. Include minute personal details about family, friends, habits, likes and dislikes, hopes and aspirations.

Some professional writers and creative writing instructors will tell you that you can't simply write off the cuff, that having a plan and an outline is the only way to create a solid work of fiction. Others believe that the confinement of a formula restricts the creative process. If you feel more comfortable making plans and outlines, then by all means, do so, but there is no shame in winging it either.

Step 3: The Writing Process
Your research is done, and you've got an outline to follow. It's time start the actual writing part of your short story. For some people the actual writing is the intimidating part.

General Writing Tips
0. Avoid using too many big words. Simple language can be just as eloquent.
1. Three major characters are enough for a short story.
2. Show, don't tell. Telling a reader what is happening makes for a boring read.
3. Use meaningful dialogue to convey character.
4. Use active verbs.
5. Let the action rise at a natural pace.
6. Keep research at hand for reference.

Point-of-View
Choose your story's point-of-view: first person, third person limited or third person omniscient. Once you've chosen a narrative point-of-view make sure you stick to that point-of-view through the entirety of the story.

1. First person refers to the main character as "I" and "me". This point-of-view is limited to only one perspective because "I" is only aware of "my" own experiences.
2. Third person limited explores one character's perspective.
3. Third person omniscient is more flexible because it explores the thoughts and experiences of several different characters.
4. A fourth perspective: Second Person tells the story from a "you" point of view: "You approach the tunnel, and a chill ripples through you..." This point-of-view is rarely used.

Tense
Once you've decided on a point-of-view, you'll want to choose a tense to write in. If the story is happening now, you'll chose present tense. If the action happened yesterday, or when your character was five years old, you'll write in past tense. After you decide which tense you want to use, it is imperative that you don't switch back and forth between different tenses.

Dialogue
Dialogue is an important part of almost every story. It is how your characters communicate with each other. Here are some important things to remember about using dialogue:

1. Use dialogue to help establish character identity.
2. Meaningful dialogue tagging will help you show your reader what is going on instead of telling them.
3. Make sure all your dialogue has purpose.
4. Each new speaker begins a new paragraph.


Writer's Block
A common enemy of writers, writer's block is a stall in the creative process. One of the best ways to battle against the block is to keep writing. Even if what you write isn't how you wanted things to turn out, continuing to write against your writer's

Step 4: Editing
Once you've finished writing the story it's time to start editing. Take some time to go through the story looking for grammar, punctuation, spelling errors and diction. Check for tense consistency and structural problems as well. Editing a story can take days or even weeks because you want to keep reading and rereading until you're satisfied with the final result.
You may want to ask a trusted friend, mentor or family member to look over your story for you. Feedback can play an essential role in your revisions, and a second pair of eyes will be more likely to pick up on mistakes that you might have overlooked. Because we tend to learn from our mistakes be sure to receive any and all criticism with an open mind.
In addition to friends and family there are a number of growing online writing communities that provide feedback, support and advice for budding writers.

Conclusion
Whether you are writing with publication in mind, to fulfill an assignment or simply because you have always wanted to try your hand at creative writing, the completion of your first short story is an accomplishment to celebrate. If the writing of that short story sparked a passion inside of you, keep writing; practice is one surefire way to improve the quality of your writing
signed Daddy Long-Legged





pendekatan teater terapi adalah yang pertama di malaysia dilaksanakan bersama grup teater lab dengan diketuai oleh Dr Andika Aziz Hussin di pusat pemulihan remaja di Melaka dan Kota Kinabalu sabah. dengan bertemakan `teater terapi sebagai media luahan emosi secara terancang dan selamat', G-Tel telah membuktikan bahawa seni ini bukan kerja main-main dan membazirkan. sebaliknya ia boleh menjadi ajen pembangunan sahsiah dan pembentukan jati diri bangsa.
signed Daddy Long-Legged author





satu pendedahan baru dalam teknik lakon commedia del arte. grup bertuah kerana dapat mempelajari teknik yang sukar didapati di malaysia..ia sangat sesuai untuk membentuk tubuh seorang pelakon versatile.
signed Daddy Long-Legged



Manifestasi Dramatika Kreatif Kanak-kanak telah diusahakan bersama antara grup teater lab dengan DR Zainal Latif di Tadika Yayasan Sabah. bentuk persembahan improvisasi dan kreatif untuk kanak-kanak telah lama diiktiraf keberkesanan dalam membentuk sahsiah dan minda kanak-kanak yang kreatif.tidak menggunakan set yang besar sebaliknya prop tangan yang mudah dan multi-use. tiada penggunaan kostum yang pelbagai, cukup sekadar perlambangan sahaja. Tahniah dan terima kasih Dr Zainal
signed Daddy Long-Legged
Thursday, May 27, 2010 at 7:49 PM | 0 comments  
signed Daddy Long-Legged




Mencari Wajah Dekon; Akhirnya Ketemu jua di Festival Dekon Makum 2010


22hb Mei 2010, lengkaplah sudah penyertaan 11 buah IPTA mempersembahkan dekon masing2. aku selaku penganjur dekon untuk kali ke 5 ini cukup gembira melihat prestasi kebanyakan kumpulan yang mempersembahkan dekon 2010....masing-masing sudah mula nampak wajah dekon makum yang kita mahu...terima kasih kerana nampaknya penganjuran bengkel dekon sebulan sebelum festival cukup memberikan pulangan yang baik untuk kita semua. sebahagian besar IPTA yang mengikuti bengkel telah menunjukkan peningkatan yang baik dalam membentuk corak persembahan dekon mereka..hanya beberapa ipta yang tidak sempat menghadiri bengkel yang kelihatannya masih tercari-cari lagi...tak mengapa. Sebagai rakan ipta yang prihatin dengan perkembangan dekon, kita akan menghantar salinan ketetapan dekon yang kita persetujui dalam bengkel untuk mereka hayati dan amalkan di masa akan datang.Ada rakan seni yang mencadangkan agar UMS segera mengorak langkah untuk mempatenkan Dekon ini..aku setuju sangat2 kerana UMS yang memperkenalkan dekon kepada MAKUM.Semestinya UMSlah yang berhak untuk membentuk acuan mengikut keperluan MAKUM.

Malam terakhir pementasan, aku melihat para juri berhempas pulas untuk menentukan juara dekon kali ini. tidak seperti tahun lalu..yang kesudahannya sudah dijangka...aku gembira menyertai dekon kali ini kerana sudah memahami corak dan bentuk dekon...aku harap IPTA lain juga merasakan seperti aku... dekon itu bukan Poor Theatre seperti Grotowski dan bukan juga rich Theatre seperti Anton Chekov dan bukan seperti WestEnd dan Broadway mahupun persembahan PUISIDRA seperti anggapan sesetengah pihak. Tidak sama sekali. dekon tidak menolak ciri-ciri artistik pentas malah menggalakkan seperti penggunaan kesan bunyi dan cahaya. Bunyi yang pelbagai dan pencahayaan yang menarik membantu mengangkat mood dan persembahan. penggunaan peralatan multimedia juga sangat digalakkan sebab ia boleh memberikan kesan dan membina perwatakan plot cerita. penggunaan alat muzik secara langsung juga adalah digalakkan sebagai penyokong cerita dan mood. cuma dekon tidak menggalakkan penggunaan set latar besar dan kostum yang pelbagai bentuk dan warna...cukup sekadar set dan kostum yang bersifat multi-use atau multi-purpose. aku tertarik dengan kata Dekan SENI ketika malam Penutupan Dekon lalu, dia kata `persembahan dekon ini umpama mencampurkan gula dalam kopi...tidak terlalu banyak, dan tidak terlalu sedikit...secukup rasa'. Elemen artistik penting dalam sebuah pementasan dekon, itu yang pasti.

UDM telah berubah sama sekali berbanding tahun 2009. corak persembahan juga menampakkan corak dekon walaupun adakalanya pelakon tersasar dalam membezakan watak. itu perkara biasa untuk sebuah genre yang baru...tapi persembahan mereka mantap dan berkesan. USM dan UMS memang menjadi favourite untuk menjuarai FDM 2010 namun tahun ini adalah tahun UDM. Mereka layak untuk menjadi juara. tak mengapa. yang pasti, aku yakin...tahun 2011 FDM akan lebih sengit lagi.

UNiMAP, USM, UMS, UPSI, UTHM, UTEM dan UKM sudah menampakkan wajah dekonnya dengan jelas, memenuhi ciri-ciri yang ditetapkan dalam bengkel dekon 2010. Persembahan dekon kali ini jelas menampakkan ciri-ciri tersebut adanya peranan narator yang dibuat oleh dekonis serta memenuhi keperluan dekon iaitu ucap dekonis (dialog), monolog, soliloki dan penerapan corak penanda kesenian melayu.

Kalau dulu USM seringkali dilihat menjadi ikon untuk persembahan dekon. namun kini ia telah berubah. bukan tujuan untuk menafikan USM, tetapi IPTA lain sudah mula menunjukkan saingan kepada USM. Itulah yang kita mahu, persaingan seimbang. bila wajah dekon sudah kelihatan dan difahami oleh peserta maka persaingan menjadi seimbang dan mencabar. itu baru menarik. dekon 2010 bukan hanya didominasi oleh sebuah ipta lagi seperti tahun tahun sebelumnya...kini penentuan dan perjudian menentukan IPTA manakah yang menepati wajah dekon menjadi sukar kerana kebanyakan IPTA telah memahami dekon. juri juga tidak boleh lagi sewenang2nya mengatakan itu atau ini wajah dekon atau IPTA belum memahami wajah dekon kerana kebanyakan IPTA sudah pun memahami konsep dekon itu. terima kasih kepada Pak Marzuki, Datin Sabera dan Mansor (Panel pembentang). tugas juri menjadi lebih sukar kini kerana mereka kena menentukan siapakah yang terbaik dalam mementaskan dekon bukannya menyatakan ini lah wajah dekon atau itu bukan dekon, seperti yang selalu berlaku sebelumnya. juri tidak perlu lagi menjelaskan kepada peserta wajah dekon itu bagaimana..kerana kebanyakan IPTA yang menyertai dekon kali ini sudah boleh melihat wajah dekon yang dimahukan oleh MAKUM. siapapun yang bakal dinobatkan sebagai juara dekon, teruskan usaha menggali seni tradisional bangsa. kerana kita IPTAlah yang dipertanggungjawabkan untuk mencari, mengumpul, dan mengetengahkan kembali seni tradisi masyarakat melayu yang telah dilupakan.

Sekarang ini tanggungjawab aku ialah mempatenkan wajah dekon MAKUM di atas kertas agar ia diiktiraf oleh org seni malaysia dan antarabangsa. tempoh 10 tahun sejak dekon dilahirkan merupakan tempoh yang panjang untuk dibiarkan terus dekon tanpa berbin atau berbinti...masa sudah tiba. MAKUM perlu mendaftarkan dekon ke jabatan pendaftaran....

TAHNIAH UNTUK YANG BERJAYA, kepada yang tidak berjaya, terima kasih yang tidak terhingga atas sokongan semua dalam mengangkat seni dekon, SENI KITA WAJAH KITA.
signed Daddy Long-Legged
signed Daddy Long-Legged
salam kepada semua lelabah...ketika hari sabtu yang maha cerah dan sedikit terik telah memberikan satu buah fikiran kepada black dan juga menyebabkan black termanggu seketika apabila memikirkan jarak waktu yang hampir kepada pertandingan dekon. apa yang merisaukan black? black tertanya 'kenapa risau'? mungkinkah memikirkan wakil dekon ums kita, atau memikirkan betapa kemenangan (tempat ke-3) pada tahun 2001 dulu tidak lagi pernah berulang. orang sering berkata bukan kemenangan yang dikejar, tapi itu kata-kata bohong seseorang yang mahu menyedapkan hati. bukan apa black terfikir ums lah pembentuk kepada konsep dekon ini tapi bagaimana pula kita yang turut terhanyut dengan konsep tersebut, dengan itu pada mac lalu satu bengkel dekon telah diadakan yang diselenggarakan oleh dua orang tokoh yang dikagumi seperti Marzuki Ali dan Datin sabera untuk menentukan konsep dekon yang harus dijadikan pedoman kepada setiap universiti yang bertanding. masing-masing punya kepakaran tersendiri walaupun apa yang black lihat mereka punya pendirian berbeza mengenai teater namun keduanya dan ums sekali telah memperolehi kata sepakat mengenai pembentukan konsep dekon ini. wah! akhirnya black merasakan satu kelapangan terhadap pembentukan dekon ini yang selama ini black menyemat ideologi lakon dekon itu sendiri di dalam hati (yalah siapalah black)tapi apapun sebagai seorang insan teater ideologi itu harus dikongsi bersama (bukan tunjuk pandai sekadar berkongsi)
untuk mengemukakan definisi dekon itu sendiri rasanya semua anak-anak lelabah sudah faham dan sudah pandai berkata-kata dengan gahnya apa itu dekon yang sebenarnya, namun berapa orang yang cukup memahami bentuk dan konsep dekon itu sendiri? mungkin hanya boleh dibilang dengan jari. well, black pun tak arif sangat tapi berdasarkan pemerhatian dan observasi permainan dekon atau dipanggil dekonis itu secara menyeluruhnya memegang 'total act', untuk memudahkan pemahaman seseorang yang mahu menjadi dekonis adalah lebih baik untuk menggali ilmu lakonan grotowski (walaupun tidak keseluruhan tetapi jika dapat dilakukan maka lahirlah seorang dekonis yang hebat) untuk terjun ke dalam lakonan grotowski itu sendiri pun menjadikan seseorang itu terkucil apatah lagi masuk ke alam dunia lakonan dekonis. pertama-tama yang harus ada pada seorang dekonis (pada pendapat black) adalah pengalaman berlakon, kerana mereka yang sekadar tak lepas asas pasti akan 'tergila' sekejap kerana terkejut dengan gaya berdekon ini yang terkenal payah untuk diselami (berdasarkan beberapa pengalaman dekonis yang lalu)seseorang pelakon dekon itu perlu bijak menggunakan krafnya secara menyeluruh yang bukan sahaja tubuh dan vokalnya tetapi juga setiap bakat keseniannya yang mengalir di dalam tubuhnya. tubuh di sini bukan sekadar menggerak-gerakkan intipati teks tetapi terkadang dekonis perlu menjadi objek atau subjek jika perlu/ menggambarkan suasana/ emosi/ bertukar-tukar watak (yang nyatanya bukan 1 atau 2 watak sahaja)/ bertukar-tukar vokal mengikut watak yang dipegang dan kadangkala menghasilkan efek atau bunyian sebagai iringan kepada lakonannya (termasuklah ciri-ciri seni melayu: gurindam/pantun dll)...kedua; sang dekonis itu harus dalam kejiwaannya memandangkan dekon ini dasar utamanya adalah teks (teks yang cantik nilai bahasa dan putis/ tinggi mutunya) nah! untuk mengangkat teks realisme pun kita masih terkial-kial, jadi harus bagaimana pula menaikkan teks yang dalam isinya, di samping sang dekonis itu juga harus turut bijak mengawal emosi yang pelbagai yang dipotretkan di dalam teks dekon itu sendiri..wah! banyak sungguh kerjanya untuk menjadi seorang dekonis. kerana itu barangkali tempoh masa persembahan dekon itu hanya dihadkan menjadi 30 minit sahaja (bayangkan kalau 1 jam?)
di sini black ingin berkongsi sedikit sebanyak kengkangan dan kesilapan dekonis ketika di atas pentas; kebanyakan dekonis lebih tertumpu kepada teks ataupun pengucapan maka terjadilah lakonan yang diistilahkan 'verbal act'. seperti mana monolog, bakat lakonan itu telah diberatkan di bahu seorang dekonis lebih malang lagi set dan props telah diminimakan, jadi apa yang tinggal hanyalah diri sang pelakon itu sendiri dalam menghasilkan sebuah pementasan yang berkesan. kebanyakan dekonis terlalai mengkspresikan fizikalnya untuk diharmonikan dengan teks, gesture/body language la intipati utama dalam mewarnakan dekon agar ianya tidak menjadi satu persembahan yang hambar dan membosankan; ekspresi wajah/bloking/level/gesture/body language/permainan tubuh (menari,bersilat,akrobatik dll) akan mengindahkan sesebuah lakonan dekon itu. jika dilihat ciri-ciri berikut bukankah teknik tersebut lebih dekat dengan lakonan grotowski?
seterusnya adalah kebijaksanaa penggunaan set/props yang minima; di sinilah letaknya keistimewaan dekon berbanding dengan bentuk teater yang lain. pelakon dituntut menggunakan sepenuh tubuhnya, bergantung harap terhadap setiap urat dan sendi krafnya, jika set/props di letakkan harus digunakan sepenuhnya (bukan sekadar hiasan) yang mana penggunaannya harusla 'multiple'. di sini daya imaginasi sang pelakon dituntut; imaginasi sekeliling (environment)/imaginasi objek (yang tidak wujud/wujud), sebagai contoh kerusi bukan hanya sekadar untuk melabuhkan punggung, juga barangkali boleh dijadikan kenderaan atau apa-apa sekalipun. apa yang sering dilupakan oleh dekonis adalah daya imaginasinya terhadap sekeliling (masa/objek-objek di sekitar yang tidak wujud), memandangkan dekon tidak mempunyai set yang khusus dalam menggambarkan suasana atau periodisasi makanya imaginasi memainkan peranan yang penting. cthnya: suasana di halaman harus diwujudkan suhu kepanasan (waktu) pokok-pokok, bungaan (environment) kicauan burung, bunyi kenderaan (sense).
sungguh menyedihkan dari pandangan black hanya beberapa orang sahaja yang hampir berjaya bermain dekon, yang selebihnya seperti terhanyut dan terbawa oleh permainan dekon itu sendiri. kerana itu ramai kalngan penonton terdiam atau barangkali tertidur ketika menonton dekon dek kerana kebanyakan yang bermain dekon itu masih tidak mampu mengangkat dekon seperti yang sepatutnya.
wah! barangkali selepas membaca tulisan black ini sesiapa pun merasa seram utnuk memegang peranan sebagai dekonis, tetapi suka black ulangi... manusia yang dilahirkan ke bumi ini tiada yang dilahirkan hebat melainkan pengalaman yang diambil daripada sekeliling dan ilmunya, 'lakukanlah sesuatu yang tidak mampu anda lakukan' demikianlah kata-kata azimat grotowski yang sehingga kini sering terngiang di kepala black, yang menjadi inspirasi black dalam mencapai sesuatu yang mustahil/kreatif. yang membezakan kita semua selain ilmu/pengalaman adalah KESUNGGUHAN dalam mencapainya. kepada lelabah, tujuan black menulis ini adalah bertujuan untuk menyemat keazaman dan daya 'push 2 d limit' dikalangan ahli kumpulan. janganlah sentiasa bersyukur kepada apa yang ada kecuali jika anda sudah melakukan pelbagai cara (cara yang zalim tidak termasuk dalam senarai ini) untuk tujuan tersebut. kepada bakal dekonis selamilah ilmu lakonan sedalamnya sebelum anda bermain dekon, jangan biar pula diri anda dipermainkan dekon...
signed Daddy Long-Legged author





signed Daddy Long-Legged





signed Daddy Long-Legged
Here are eight quick tips on using your voice effectively in a speech, presentation or training session.

• Make sure you speak loud enough for the audience to hear you. Nothing is worse than having to strain to hear a speaker present. So, before you begin a presentation, have someone stand at the back of the room and tell you if you can be heard.

• Don't shout into the microphone. Conversely, if you are using sound amplification equipment, avoid the temptation to speak loudly. Before you begin, have the sound technician adjust the amplification so that you can be heard clearly while using your normal voice.

• Avoid speaking in a monotone. The easiest way to put an audience to sleep is by speaking in the same tone of voice for a long period of time. Instead use your natural speech patterns with their variations in pitch.

• Change your delivery pace. By speaking at different speech rates for short periods, you can add energy and animation to your speech pattern. Observe the way you speak during a normal conversation with a friend or colleague. You will notice that sometimes you speak quickly and while at other times you slow down.

• Slow down for important points. By slowing your speech rate while delivering your key points, you can convey emphasis and importance.

• Use the pause. Silence is an excellent exclamation point. By slightly extending a pause, you can add emphasis to a key point in your presentation. The best presenters plan their pauses to achieve maximum impact!

• Drink water. Before your presentation, drink a glass of water. This can help prevent potential voice problems during your presentation. Keep a glass of water at the podium and take a sip of water as necessary during the presentation.

• Check out the national news. News anchors provide some of the best examples of effective voice usage.
signed Daddy Long-Legged
Thursday, April 22, 2010 at 11:27 AM | 1 comments  
salam..sekali lagi kepada lelabah...kali ini black ingin nak membuat komentari tentang festival teater (festival ke?) yang baru diadakan sempena exam praktikal thn2 pada 2 hari lalu...pementasan tersebut telah diadakan sempena exam final thn2 yang mengangkat beberapa skrip hatta Azad khan seperti Kerusi, patung-patung, Mayat dan Jebat...mendengar tajuk-tajuknya pun agaknya sudah menaikkan bulu roma kepada sesiapa yang terbiasa dengan skrip teater, kerana pemikiran Hatta ini agak berat untuk dipentaskan ke pentas, apatah lagi isunya seringkali menumpu kepada soal yang berat dan memberatkan. di sini dilihat kesungguhan pelakon dituntut untuk melahirkan watak dan perwatakan yang sempurna kepada tuntutan skrip Hatta ini. jika tidak dikorek dengan dalam maka pincanglah pementasan tersebut.
sepanjang pementasan tersebut black boleh katakan ada yang terhanyut dengan pemikiran Hatta yang berat ini, barangkali para pengarah terlalai dalam melihat sudut pemikiran dalaman penulis yang memang dalam pemikirannya. para pengarah lebih menjurus kepada penyediaan aspek luaran pementasan tersebut mahupun dari aspek lakonan/teknikal dan pengarahannya. pendek kata untuk mementaskan skrip kontemporari seperti pemikiran Hatta ini perlu mempunyai mata ketiga untuk melihat. namun tidak kesemuanya terhanyut ada kumpulan yang berjaya mempamerkan kreativiti yang tidak dijangka dan berjaya mewujudkan humor yang sinis bersesuaian dengan skrip, agaknya unsur humor ini sahaja yang mampu menyelamatkan penotnon daripada dibuai mimpi di siang hari (hehehe). kumpulan Jebat bukan sahaja berjaya menampilkan unsur humor dalam menarik penotnon tetapi juga mengisi kekosongan jiwa penonton dengan unsur muzik 'live'yang dipamerkan secara harmoni dan d'syncronized'kan dengan adegan dan lakonan. agak mengejutkan kerana pengarah-pengarah yang tidak di'list'kan ini mampu memberi sentuhan sedemikian, natijahnya impak keputusan pada malam itu amat jauh berbeza dengan kumpulan yang lain. justeru black tertanya dan bersoliloki sendiri: apakah kengkangan pengarah lain yang tidak mampu mencapai level sedemikian? walhal antara mereka 12 pelajar adalah sama sahaja cumanya cara pemikiran yang berbeza? mengapa mereka yang diletakkan dalam 'list' tidak mampu melakukan seperti mereka yang mampu? adakah pengalaman atau wang menjadi halangan?...setahu black tidak!! kerana pengarah yang berjaya itu agak tersedikit pengalamannya berbanding dengan pengarah yang lain. black mendapat satu jawapan..barangkali kesungguhan! (betulkan black jika salah) kerana itu kita pernah mendengar perumpamaan 'di mana ada kemahuan di situ ada jalannya' seseorang yang lemah sekalipun jika mencedok sedikit kebijaksanaan dan sedalam lautan kesungguhan adalah menjadi lebih baik daripada mereka yang bijak pandai yang tidak mahu melakukan apa-apa. so black mengharapkan apa yang berlaku menjadi satu iktibar yang besar kepada lelabah yang lain dalam apa jua keadaan, bukankah GTEL telah mengajar anak-anaknya untuk lebih tabah dan bersungguh sejajar dengan moto kita 'cekal/expresif' jangan lepaskan moto hanya kerana ianya sebuah kata-kata yang sekadar jadi azimat tersimpan. apapun black mengucapkan tahniah kepada para pelajar teater dan thn 1 yang dilihat mempunyai bakat yang terpendam dan tidak dijangka..kalaulah pelajar2 thn1 itu baru sahaja diberi asas mampu melakukan lakonan sedemikaian, bagaimana agaknya apabila mendapat input yang lebih mendalam? pelajar thn1...berfikirlah ke arah kebaikan diri, lihat di mana dan kemanakah arahnya diri? jangan terhanyut dengan bah dan membiarkan diri terhanyut diselubungi misteri...sekian

keputusan festival teater ums:
pengarahan terbaik - Jebat (lezawaty/hakimi/finila)
teknikal terbaik - Jebat
produksi terbaik - Jebat
Busana Terbaik - Mayat (sylvester/Felorine/syuhadah)


pelakon lelaki terbaik
Nurazwan (Jebat)
Zai (Patung-Patung)
Ricky (Kerusi)
Zarul (jebat)

pelakon wanita terbaik
Nisma (patung-patung)
Nurmadiah (mayat)
Suzanna (Kerusi)
Terrysia (Jebat)
signed Daddy Long-Legged author
salam kepada lelabah..agaknya da lama kita tak menjenguk halaman ini..kasihan ye lelabah dah membina sawang kat sini..anyway...utk bln april ni black widow nak memperkenalkan bekas YDP kite Hafeez azwan darwis yang merupakan anak kelahairan jati tenom sabah. butir diri sebenanrnya tak dapatla na bagitau sbb tak minta izin secara bertulis dgn tuan punya badan. beliau mendapat pemdidikan seni di akademi seni Melaka dengan mengambil jurusan teater(diploma) kemudiannya beliau mendapat offer menyambung pelajarannya dalam bidang seni di UMS 2001..apa istimewanya dia ni?..bukan nak mengangkat..tapi dialah YDP yng berkebolehan dalam menarik pengikutnya serta beliau mempunyai sifat yang berjiwa kental. apa yang menarik beliau mempunyai pendirian yang kukuh yang tidak dapat digoyahkan sekalipun dia ni kepala batu!!..sori ye wan..hehehe..kejayaan pertama GTEL telah diperolehi ketika produksi NUR yang berjaya melepasi ke tahap kebangsaan dan mendapat tempat ke-3 dan pelakon Wanita Kebangsaan..semuanya hasil daripada kerjasama kumpulan dan sedikit sebanyak sumbangan jitu Hafeez azwan sebagai YDP ketika itu...apa pun tulisan ini sebenarnya hendak memberi satu semangat kepada para junior agar dapat mengikut jejak langkah senior sebelumnya utk mengorak kejayaan yang lebih lagi utk masa akan datang.
signed Daddy Long-Legged author
Tuesday, March 2, 2010 at 2:40 PM | 1 comments  


signed Daddy Long-Legged
Wednesday, February 24, 2010 at 8:28 AM | 1 comments  
Asalamualaikun N Salam Sejahtera...

Bertemu lagi kita. Terima kasih YOYO atas respon yang diberi. Wow! pagi ni Pirate Spider (PS) Happy n Relax sebab tak ada kelas Teater. Tapi kena buat Rncangan Mengajar utk Esok juga. Fail-fail Evidence (TEATER)budak-budak tingkatan satu tu kena semak juga. Petang ada Kokurikulum kul 3.00-5.00, pastu sambung latihan bola sepak. Fuh... begitula rutin harian PS. Kalau takde latihan bola kena tengok latihan teater n ada sessi kongsi ilmu dgn murid-murid...

Ok la... adik2 spider smua jgn give-up... teruskan perjuangan. Ada masalah pemahan dlm subjek teater o pengurusan produksi kita boleh bincang n kongsi di sini...

Kita sambung lagi nanti... mo pg bfast dulu... hehe
signed Daddy Long-Legged
Tuesday, February 23, 2010 at 12:37 PM | 0 comments  
MENGENALI UNSUR TEATER

1. PELAKON/PELAKU

Pelaku ialah seseorang yang berwatak yang melakukan sesuatu perbuatan atau aksi berdasarkan sebab dan akibat yang merujuk kepada sesuatu arahan. Dengan lebih jelas pelaku merujuk kepada “WATAK” di dalam skrip drama atau “PELAKON” di dalam pementasan teater.

Pelaku adalah pelakon yang membawa watak dan perwatakan di dalam cerita. Pelaku berperanan merealisasikan imaginasi penulis drama dan pengarah (sutradara) teater. Pelaku mempunyai kemampuan imaginasi (Khayal Cipta) namun tidak terlepas dari kawalan realiti. Pelaku mempunyai disiplin dan tanggungjawab di dalam produksi. Justeru itu pelaku wajib memahami dan melaksanakan Etika Pelakon.

Pelaku merupakan unsur yang paling aktif sebagai penggerak cerita di dalam naskah lakon atau pementasan teater. Biasanya WATAK di dalam naskah lakon ditentukan berdasarkan 3 ciri-ciri berikut, iaitu :

1.Fisiologi – Ciri-ciri fizikal@Tubuh-badan, umur, jantina dan lain-lain
2.Sosiologi – Latar belakang masyarakat, status sosial, pendidikan,
pekerjaan, peranan dalam masyarakat, kehidupan peribadi, pandangan
hidup, agama, hobi dan lain-lain.
3.Psikologi - Latar belakang kejiwaan, mental, sifat, sikap dan kelakuan, tahap
kecerdasan, kemahiran dalam bidang tertentu dan lain-lain.

Realitinya, Pelakon merupakan aspek yang amat penting dalam pementasan Teater. Pelakonlah yang bertanggungjawab merealisasikan keseluruhan cerita yang melibatkan elemen-elemen teater di atas pentas.

Dengan lebih jelas, penggunaan perkataan atau istilah Pelaku bukan hanya merujuk kepada pelakon secara total, tetapi semua tenaga produksi yang terlibat (peringkat pra dan pasca produksi) merupakan para Pelaku yang tidak boleh dipertikaikan tugas dan peranan mereka di dalam sesebuah produksi Teater.


2. PENONTON KOLEKTIF

Penonton ialah orang yang menyaksikan persembahan teater secara langsung ditempat dan masa yang sama. Penonton adalah pemerhati, penilai, penikmat dan menghargai persembahan.

Penonton berada di dalam dunia lakonan serta mempercayai apa yang berlaku di dalam lakonan.

Penonton berkomunikasi dan berkongsi emosi dengan pelakon serta memberikan rangsangan dan motivasi di dalam lakonan.

Penonton Kolektif ialah penonton yang mendapat pengajaran, pengetahuan dan pengalaman baru selepas menyaksikan pementasan teater. Dengan erti kata lain penonton kolektif juga boleh dianggap mencapai katarsis (penjernihan jiwa) selepas menonton teater.


3. RUANG

Ruang merujuk kepada tempat atau kawasan yang dapat menampung pelbagai bentuk persembahan seperti tarian, nyanyian, koir, orkestra, debat, pidato dan acara persembahan yang lain.

Ruang ialah sebuah kawasan atau tempat yang di khaskan untuk pelakon dan penonton bagi sesuatu acara persembahan baik secara langsung atau tidak langsung.

Ruang sekurang-kurangnya mempunyai fasiliti asas seperti tenaga elektrik yang dapat membekalkan tenaga pada sistem pencahayaan, sistem audio dan sistem penggantungan tirai dan lampu.

Ruang juga adalah tempat para pereka mempamerkan gabungan kerja-kerja artistik yang membolehkan penonton merasa teruja dan selesa menikmatinya.


4. NASKAH LAKON

Naskah lakon adalah skrip dan merupakan satu hasil penulisan karya sastera yang dikenali sebagai Drama. Walau bagaimanapun ciri-ciri atau bentuk penulisan naskah lakon adalah berbeza dengan bentuk karya sastera seperti cerpen, novel dan puisi.
Menurut Aristotle, drama ialah peniruan kehidupan, sebuah cermin budaya dan suatu bayangan kebenaran. Dalam buku The American College Dictionary, drama didefinisikan sebagai karangan prosa dan puisi yang menyajikan dialog, pantomin atau cereka yang mengandungi konflik untuk dipentaskan. Mengikut Oxford Dictionary, drama sebagai komposisi prosa yang boleh disesuaikan untuk diaksikan di atas pentas yang ceritanya disampaikan melalui dialog dan aksi, dan dipersembahkan dengan bantuan gerak, kostum dan latar hiasan seperti kehidupan yang sebenar.

Naskah lakon boleh dibaca secara individu atau berkumpulan tanpa memerlukan ruang, pelakon atau bantuan seni yang lain. Apabila skrip drama itu dilakonkan di atas ruang pentas dengan gabungan pelbagai seni yang lain dan ditonton pula oleh khalayak secara kolektif, maka ia dinamakan teater. Drama bukan semata-mata untuk dibaca, tetapi untuk dilakonkan di atas pentas, dengan penghayatannya berbeza antara dibaca dengan pementasannya. Di sinilah letaknya perbezaan maksud antara drama dengan teater.

Sememangnya sifat sesebuah naskhah drama digerakkan oleh dialog. Pemikiran atau gagasan pengarang disampaikan melalui dialog pelaku (watak-watak) yang berinteraksi dalam sesebuah drama. Sebuah naskah lakon yang baik akan dapat memberikan gambaran jelas tentang pemikiran pengarang melalui unsur-unsur dramatik dalam dialog yang dihasilkan. Unsur dramatik bermaksud diksi atau ungkapan yang boleh membangunkan konflik dalam drama seperti dialog yang menimbulkan perasaan.

4.1 Menulis Naskah Lakon
Tiga elemen yang cukup penting yang perlu diberikan tumpuan oleh penulis sebelum memulakan penulisan naskah lakonnya ialah:
1. Fokus
2. Logik
3. Perwatakan.

4.1.1 Fokus
Untuk sebuah cerita sentiasa dalam kesatuan, watak-watak dan cara mereka berfungsi memerlukan fokus atau tumpuan. Ia tidak ada bezanya sama ada jalan cerita kita berbentuk linear, non-linear (spiral) atau selari. Sentiasa memberikan tumpuan yang kukuh akan menjadikan proses penulisan kita mudah dan lancar. Fokus memerlukan beberapa pertimbangan. Yang utama adalah dengan mengetahui watak-watak (siapa mereka?), latar, sifat dan perkembangan mereka. Fokus juga memerlukan perwatakan dan cerita secara keseluruhan mempunyai matlamat yang jelas pada akhirnya.

4.1.2 Logik
Apabila kita menghasilkan cerita dengan segala perwatakannya, tema dan ruang tempat, kita sebenarnya terlibat dengan penciptaan. Segala perwatakan, tema dan ruang masa serta tempat mempunyai peraturannya sendiri sebagaimana sebuah dunia dicipta. Sebab itu penulis drama sering dikatakan mencipta sebuah dunia. Akan tetapi dunia bagaimanakah yang dicipta itu? Bagaimanakah kehidupannya? Drama mengangkat atau meniru realiti (kehidupan), tetapi realiti yang bagaimana? Oleh itu realiti sesebuah drama perlu dilihat dalam konteks ceritanya, perwatakan dan temanya. Di sinilah logik drama tersebut diukur.

4.1.3 Watak dan Perwatakan
Sebuah skrip drama yang baik mesti mempunyai watak-watak yang mampu membawa cerita untuk terus berkembang. Watak-watak inilah yang menjadi cerita, dan kuasa merekalah yang menghidupkan cerita. Oleh itu watak ialah elemen terpenting dalam drama. Wataklah yang menggerakkan plot cerita. Dalam sesebuah drama terdapat watak utama dan watak sampingan. Selalunya dalam sesebuah drama terdapat satu watak utama, tetapi pada saya sesebuah drama mempunyai dua watak utama, iaitu watak protagonis (watak yang menyokong idea penulis) dan watak antogonis (watak yang menentang idea penulis). Pertentangan idea ini akan menimbulkan konflik dan pertentangan konflik inilah yang membentuk struktur konflik dramatik yang menarik. Watak sampingan ialah watak-watak yang lain yang menyokong protagonis ataupun antogonis atau watak-watak yang melengkapkan cerita.

4.2 ELEMEN DRAMA
Elemen drama yang perlu diketahui oleh bakal penulis skrip ialah:

4.2.1 Tema/Pemikiran
Tema ialah idea atau persoalan pokok yang dapat dirumuskan daripada keseluruhan inti pati cerita. Persoalan pokok ini merupakan gagasan yang ingin disampaikan oleh penulis dalam skripnya. Pemikiran ini disampaikan melalui dialog dan aksi watak-wataknya. Pembaca naskhah atau penonton drama yang sensitif akan dapat menangkap idea atau persoalan pokok ini selepas selesai membaca skrip atau menonton teater. Malah, selalunya mereka bukan sahaja dapat menangkap idea atau tema drama tersebut, tetapi juga mereka akan dapat menjaring maksud lain atau lapisan maksud yang lain yang terkandung dalam drama tersebut. Pemikiran yang tersembunyi yang hanya dapat ditafsir oleh pembaca atau penonton yang mahu berfikir atau memahami perlambangan yang digunakan atau unsur cerita yang disampaikan oleh penulis dinamakan sebagai sub-teks.

4.2.2 Plot
Plot sangat penting dalam pembinaan struktur drama. Plot adalah struktur drama yang dibina melalui dialog dan aksi setiap watak. Dialog terbina melalui kata-kata atau bahasa. Melalui dialog inilah konflik dan perkembangan cerita berlaku. Seperti yang dijelaskan sebelum ini, konflik memainkan peranan yang cukup penting dalam membangunkan struktur sebuah drama. Bertolak daripada konflik dan ketegangan inilah sesuatu peristiwa digerakkan dan dilanjutkan perkembangannya hingga kepada peleraiannya atau kesimpulan cerita. Plot bukan cerita atau naratif. Mengikut E.M. Forster cerita ialah huraian tentang peristiwa yang disusun mengikut urutan waktu. Plot ialah jalan cerita yang memberikan maklumat cerita. Ia dibina oleh watak dan apa yang berlaku melalui kesan sebab dan akibat dalam ruang dan waktu.

Penulis perlu memahami bahawa dalam sesebuah persembahan teater, usaha menarik perhatian penonton dan menahan perhatian mereka selama mungkin ialah tugas yang cukup penting. Sebuah plot mesti berupaya menarik perhatian dan mencipta suspens dan di sinilah kesemua binaan dramatik memberi tumpuan. Harapan atau jangkaan penonton atau pembaca mesti dibina (tetapi hanya diselesaikan pada babak adegan terakhir). Aksi (adegan) mesti kelihatan hampir mencapai objektifnya tetapi ia perlu tidak tercapai sehinggalah di akhir adegan. Perkara yang paling penting ialah sebuah plot mesti mempunyai kepelbagaian (variasi) rentak dan tempo. Sebuah plot yang monotonos akan hanya menghilangkan minat penonton dan akhirnya kelihatan hambar dan mendatar.

Terdapat beberapa bentuk suspens atau ketegangan yang boleh dicipta dalam sesebuah skrip. Soalan-soalan asas ini boleh menjadi contoh ketika hendak memulakan tulisan skrip anda. “Apa yang akan berlaku selepas ini?”, atau yang sama maksudnya, “Saya tahu apa yang akan berlaku, tetapi bagaimana ia akan berlaku?”, atau, “Saya tahu apa yang akan berlaku dan saya tahu bagaimana ia akan berlaku, tetapi bagaimanakah watak X memberi reaksi atau bertindak balas kepadanya?”

Soalan-soalan asas ini wajar berlaku di awal bahagian skruktur dramatik skrip anda supaya pembaca atau penonton anda dapat terus bersedia kepada elemen utama suspens dalam drama anda. Seseorang mungkin mengatakan tema utama sesuatu drama itu mesti jelas. Bagaimanapun dalam sebuah skruktur skrip drama yang baik, ia terletak pada persoalan. Contohnya, siapakah yang melakukan pembunuhan itu, lelaki manakah yang akhirnya berjaya memiliki gadis itu, atau bagaimana bila sesorang suami mengetahui yang isterinya berlaku curang dan memiliki kekasih lain?

Apabila penonton atau pembaca telah mengetahui tema dan persoalan dan objektif aksinya, maka jangkaan mereka akan tertumpu kepada titik akhir drama tersebut (penyelesaian) dan tahu ke mana tumpuan drama tersebut akan bergerak. Perhatian penonton tertumpu ke arah yang betul.

Bagaimanapun perlu juga diketahui, tumpuan perhatian penonton selalunya adalah pendek. Satu elemen suspens utama tidak mencukupi untuk terus mengikat perhatian penonton. Oleh itu, sebuah struktur skrip drama memerlukan suspens sampingan. Jadi suspens sampingan ini akan mendukung elemen suspens yang utama. Suspens sampingan ini diperlukan pada setiap adegan atau bahagian drama, yang akhirnya bergabung dengan keseluruhan momentum struktur drama tersebut.

Dalam pembentukan plot, setiap watak bergerak dalam kerangka sebab dan akibat. Sesuatu peristiwa berlaku disebabkan oleh sesuatu alasan yang kukuh dan ia akan menghasilkan sesuatu akibat yang wajar. Ia merupakan hukum yang mempunyai logikanya yang tersendiri. Oleh itu, seseorang penulis perlu memastikan tindakan sesuatu watak itu wajar mengikut latar watak, tempat dan waktu, dan peristiwanya dan akibat yang berlaku itu adalah munasabah.

4.2.3 Latar
Elemen tempat, masa atau zaman serta masyarakat yang diceritakan selalunya dijelaskan melalui latar. Latar dalam drama penting dijelaskan, tetapi perincian latar dalam drama adalah terhad. Ia hanya perlu untuk tujuan pementasan untuk menjelaskan tentang tempat dan masa, cukup untuk memberikan panduan kepada pembaca atau penonton. Berbanding dengan filem atau televisyen, drama pentas menghadapi kekangan dalam menukar set atau prop yang kerap dari satu babak ke satu babak yang lain.

4.2.4 Babak
Bahagian dalam drama yang menjelaskan peristiwa yang berlaku dalam sesuatu latar tempat dan masa disebut babak. Pertukaran latar tempat dan masa membawa perubahan babak.

4.2.5 Adegan
Adegan merupakan pecahan dalam sesuatu babak yang menjelaskan sesuatu peristiwa yang berlaku dalam sesuatu latar tempat tetapi pada masa yang berbeza.

4.2.6 Bahasa
Asas sebuah drama ialah perkataan atau dialog. Drama terbina oleh dialog dan aksi. Oleh itu, bahasa yang menjadi asas perkataan adalah elemen yang cukup penting bagi sesebuah drama. Daripada bahasa yang dituturkan oleh pelakon itu, pemikiran dan gagasan pengarang disampaikan. Sesebuah drama yang baik akan menggunakan bahasa yang ringkas, padat dan mudah difahami supaya berkesan kepada penonton. Gaya bahasa atau dialog yang meleret dan sukar difahami akan menyebabkan pembaca dan penonton bosan dan akhirnya hilang tumpuan.

Gaya bahasa yang baik dalam sesebuah drama akan memberikan latar zaman, masyarakat dan tempat. Justeru itu, dialek sesuatu daerah boleh digunakan oleh sesuatu watak untuk menghidupkan lagi perwatakannya, tetapi pastikan yang pembaca dan penonton dapat memahami dialek tersebut. Kekuatan sesuatu watak itu terpancar daripada kualiti dialog yang diucapkannya. Watak yang gagal mengucapkan dialog kuat, humor dan menarik akan sukar menarik perhatian penonton. Oleh itu, pemilihan diksi, ayat atau unsur bahasa penting dalam mengekalkan keinginan pembaca dan penonton sesebuah drama.

4.2.7 Ekonomi, emosi dan keseimbangan
Secara keseluruhannya struktur sesebuah drama bergantung kepada keseimbangan dalam semua elemen. Setiap suatu elemen tersebut mestilah memberikan sumbangan dalam membentuk corak dan pola sesebuah drama itu. Setiap suatu elemen itu sentiasa berkaitan dan bergantungan antara satu sama lain. Satu aspek yang mesti juga diberi perhatian oleh penulis skrip ialah faktor ekenomi. Hal ini demikian kerana drama ialah satu bentuk komunikasi yang elemen masa memainkan peranan yang penting. Oleh itu, faktor masa perlu diberikan perhatian. Selain itu, drama juga merangkumi aspek emosi. Hal ini demikian kerana sesebuah drama itu dihasilkan untuk manusia dan emosi memainkan peranan penting dalam soal komunikasi kemanusiaan.

4.2.8 Jenis-jenis drama
Pada umumnya terdapat tiga jenis drama yang utama, iaitu:
1. Tragedi – sebuah drama yang mengisahkan suka duka dan tragisnya kehidupan wira
utamanya. Kisah wira ini selalunya berakhir dengan tragedi. Dalam drama ini
perjalanan kisahnya menemui tragedi itulah yang utama.

2. Komedi – Drama ini memaparkan kisahnya dalam bentuk lucu dan menghiburkan.
Ceritanya serius, tetapi disampaikan dalam bentuk kelucuan oleh watak-wataknya.
Drama ini selalunya digunakan untuk menyindir masyarakat. Plot drama komedi boleh
berakhir dengan kepuasan penonton (kegembiraan) dan boleh juga berakhir dengan
kedukaan .Drama begini dikenali juga sebagai tragik-komedi.

3. Melodrama – Drama ini bersifat sentimental dan ceritanya sering berpusat pada
persoalan keluarga atau wanita. Drama ini selalunya akan menyentuh emosi pembaca
atau penonton.

4.2.8 Format Skrip Drama Pentas
Skrip drama pentas mempunyai formatnya yang sendiri. Anda wajar mengikut format yang standard apabila menulis skrip supaya ia mudah dibaca, difahami oleh pengarah drama dan yang penting ia menunjukkan yang anda memahami genre sastera yang anda tulis.

Dalam format penulisan skrip, anda perlu memuatkan perkara-perkara yang berikut:
• Muka surat judul yang mempunyai judul drama anda, nama penulis (nama anda), judul
sumber asal (novel) jika skrip drama itu karya adaptasi, nama dan tempat terbit
(jika diterbitkan) dan tahun.

• Sinopsis. Anda perlu juga menulis sinopsis atau ringkasan drama anda (kira-kira 150
patah perkataan). Sinopsis ini perlu memberikan maklumat tentang watak, tema dan
perjalanan cerita dan yang penting mampu menarik minat pembaca untuk membaca
seterusnya skrip drama anda.

• Watak dan senarai watak – Anda perlu memberikan senarai watak yang terlibat dalam
drama anda serta deskripsi ringkas tentang perwatakannya seperti bentuk fizikal,
usia dan sifat-sifat tertentu watak itu.

• Pecahan babak juga perlu.

• Adegan atau babak sesebuah drama berlaku dalam satu ruang tempat, masa dan watak.
Oleh itu, ruang tempat, masa dan watak perlu juga diberitahu sebelum sesuatu
adegan itu bermula.

• Format atau stail menaip skrip terdapat beberapa bentuk. Lihatlah bentuknya
daripada beberapa skrip yang pernah anda baca.


5. MESEJ

Mesej merupakan agenda penting sesebuah pementasan atau persembahan. Tanpa mesej sesebuah pementasan itu diumpamakan seperti tin kosong. Pelbagai isu yang ada disekeliling kita digarap dalam bentuk persembahan untuk disampaikan semula kepada masyarakat sama ada melalui perlakuan atau perkataan. Perlakuan adalah melibatkan gerakkan pancaindera dari hujung rambut hingga ke hujung kaki.

Mesej ialah maklumat. Dalam bidang teater, mesej dapat diperolehi melalui penilaian, penghayatan dan kajian terhadap sebuah naskah lakon dan sesebuah pementasan teater. Tujuan pementasan teater ialah untuk mengajar dan menghiburkan. Apabila adanya aktiviti mengajar dan menghibur sudah tentu adanya mesej yang disampaikan oleh pelaku kepada khalayak. Mesej akan menjadi maklumat untuk tatapan penonton sebagai pengajaran. Mesej yang diterjemahkan melalui pementasan teater mempunyai nilai positif dan negatif. Di sinilah terletaknya peranan penonton yang bijak untuk mengambil atau mengutip mesej yang baik dan negatif sebagai panduan hidup yang baik dan selamat di dunia dan akhirat.


6. GABUNGAN PELBAGAI SENI

Gabungan pelbagai seni merujuk kepada kemahiran yang dimiliki oleh pelaku yang menggabungkan beberapa kemahiran asas yang meliputi aspek gerak fizikal, lontaran vokal, kawalan mental dan emosi. Dengan gabungan unsur-unsur ini para pelaku dapat melaksanakan tugas sebagai pelakon yang baik dan berkesan.

Selain itu gabungan seni yang lain seperti gerak tari, bunyi muzik, rekaan visual (setting, props, kostum, mekap, pencahayaan dan bunyian) dapat membantu meingkatkan tahap persembahan atau pementasan yang mantap.

Gabungan kerja-kerja kreatif dan Pengurusan berdasarkan daripada naskah lakon dipersembahkan secara langsung kepada penonton yang dipisahkan oleh ruang dan waktu.

Di peringkat ini kemahiran dan kaedah Sinografi amat diperlukan. Sinografi digunakan untuk mencantikkan dan memberi makna cerita dalam persembahan berdasarkan pada setiap rekaan yang dihasilkan oleh pereka-pereka.

(NOTA : Makalah ini dihasilkan berdasarkan kutipan dan kupasan daripada sumber-sumber ilmiah dan nota-nota simpanan penulis hasil daripada bengkel, seminar, dan kuliah TEATER. Terima kasih kepada guru-guru yang memberi ilmu TEATER kepada penulis. Hanya Allah s.w.a sahaja yang dapat membalasnya.)
signed Daddy Long-Legged
Monday, February 22, 2010 at 5:10 PM | 2 comments  
Kenapa membisu... gerangan apakah yang membuatkan kalian membisu (anak2 labah-labah hitam)... KECEWA? Jangan kecewa. Marah? Benci? dan entah apa lagi jenis musibah... Jangan layan... di medan ini kita berkongsi. Berkongsi apa saja. Buat apa takut. Untuk apa malu. Kita kongsi bersama-sama. Mana yang kurang kita tambah. Mana yang lebih kita kongsi. Medan ini bukan untuk kita menjatuhkan sesiapa, medan ini bukan untuk menghina sesiapa... medan ini ini untuk kita berkongsi dan bertukar-tukar pandangan. Medan ini sebagai wadah mengeratkan hubungan silaturahim di antara kita. Bukankah kita ini sekeluarga. Keluarga dalam erti kata CUBIT PAHA KANAN, PAHA KIRI TURUT TERASA JUGA. Di medan ini bukan tempat kita mengukur tinggi atau rendahnya ilmu kita. Jika adapun cuma dianggap sebagai pelengkap bagi kekurangan pada sesiapa saja di kalangan keluarga kita ini. Bukan untuk "MENGONDEM" sesiapa. Tetapi... kalau kita malas juga berkongsi dan bertanya samala kita seperti Haji Bakhil (Kedekut ilmu)... Akhirnya siapa yang rugi... kita juga... pengetahuan kita bukan makin bertambah malah makin bertambah kurang.

Ayuh... adik-adik ku labah-labah semua... bangunla kalian. Kuatkan semangat. Ayuh... kita semarakkan Medan ini... Bagi rakan-rakan kita, senior2 anda yang ketika ini sedang melakukan kerja-kerja Praktikal di pelbagai agensi kerajaan atau swasta... berilah sedikit ruang untuk menghantar berita di medan ini... takkan dalam 10 minit atau masa rehat 30 minit tu tak ada langsung... Manfaatkan la masa yg ada untuk berkongsi pengalaman anda dengan adik-adik di Sini... Jadikanlan Medan ni sebagai Pusat Hentian kita di alam siber ini.

Sambung lagi nanti... penat ni... baru selesai kelas kesenian teater... jumpa lagi... wasalam....
signed Daddy Long-Legged
janganlah diharap untuk budak g-tel ni nak menulis...membacapun tak pernah. hanya baca bila disuruh. itupun sekadar untuk memenuhi tugasan semata. janganlah kecewa kerana menangis airmata darahpun, dunia ini kiamat pun, budak g-tel tidak akan membaca. memang mereka boleh bekerja tetapi sekadar bekerja sahajalah...tak boleh jadi pemimpin...memang ditakdirkan untuk budak-budak teater ini tak boleh melangakui ilmu tok gurunya...biarlah mereka dengan labu-labunya...kita yang ada beryukur kerana setiap hujung bulan dapat gaji...mereka tu biarlah dengan akal sejemput tu...tak akan ke mana pun...biar mereka rugi...
signed Daddy Long-Legged
assalammualaikum kpd lelabah yg sedia ada kini..lama gak (taklah bkurun) black tak tulis dlm blog ni disebabkan ksibukan yg sedikit sbyk mengganggu kelancaran diri utk menulis di sini. yelah semester pun da mula..anyway pelbagai lagi cabaran yang harus d tempuhi lelabah di masa akan dtg ni antaranya Dekon, Makum dan pengarahan utk thn 2 kini walaupun kptsn yang kita harapkan utk Penialaian itu agak tersasar namun kesedihan tidak sesangat dirasai oleh Black sbb bukannya mudah mo dilepasi border line ke kebangsaan itu...apa pun black tetap berpuas hati persembahan masa penilaian tu sebab pelakon semuanya ok cuma masalah teknikal yang sesangat tak dapat kita elakkan..pada pendapat Black seharusnya setiap kumpulan yang bertanding diberi peluang untuk menyesuaikan diri kepada pentas sprtmana yang di anjurkan oleh SPS (Festival teater sabah thn sblm ni) semua kumpln bpuas hati kerana diberi ruang utk melihat merasa memanjakan diri dengan pentas. tapi kita anggap saja sebagai ketiadaan rezeki dan kita harus harungi dengan memandang ke depan...seterusnya memperbaiki kelemahan yang pernah kita anggap sebagai kesilapan diri bukannya mencari kesalahan orang lain maka kita akan menjadi manusia yang lebih bernilai utk diri. namun begitu apa yang mengecewakan Black kehadiran Blog ini serasanya tidak dianggap satu keperluan untuk menuntut ilmu oleh para pelajar..kebanyakan rencana yang ditulis atas muka blog ini hasil daripada gerak tangan pengajar...persoalannya apakah pelajar teater kita kekurangan ilmu atau malas? dan soalan black paling tragis butakah mereka kepada penggunaan internet? pembukaan blog ini sebenarnya bertujuan utnuk menggalakkan para pelajar bukan sahaja membaca (harap memang dibaca) tetapi ditulis dan merencanakan buah fikiran/ berita grup/ilmu yang pernah terkubur dalam otak (atau kotak?)...namun Black akhirnya terpaksa meluahkan rasa kecewa ini sebab da terlalu lama blac nantikan penulisan daripada bebudak teater kita...malanya mengharap bulan jatuh ke riba...di sini black da sediakn VID YOUTUBE (disebelah kanan ni) YG BSANGKUTAN DGN KAJIAN TEKNIK LAKON UTK TATAPAN UMUM (spy xde alasan xfhm lg d lain hari)...apa-apapun fikirkanlah bersama
signed Daddy Long-Legged author
Latar Belakang
Apakah yang dimaksudkan dengan Teater bagi Golongan yang Ditindas (Theatre of the Oppressed)? Secara umumnya, ‘ditindas’ (‘oppressed’) bermaksud ‘diperlakukan dengan teruk’ (‘done badly by’), ‘mengalami kezaliman’ (‘experience injustice’) dan ‘dilayan dengan tidak adil’ (‘be unfairly treated’). Namun istilah `Penindasan’ dalam konteks Teater bagi yang Golongan Ditindas (Theatre of the Oppressed) bukan merupakan fenomena deraan fizikal secara khusus, atau untuk dihuraikan dalam terma-terma fizikal. Ia tidak sama seperti penyerangan yang bergantung kepada kekuatan fizikal. Penindasan itu didefinisikan sebagai kuasa dinamik berdasarkan monolog lebih daripada dialog; satu hubungan antara dominasi dan arahan yang menegah golongan yang ditindas daripada menjadi diri mereka yang sebenarnya dan melaksanakan hak-hak asasi mereka. Ia adalah mengenai seseorang yang telah kehilangan hak untuk menyatakan keperluan dan kemahuannya, dan menjadikannya kepada seorang pendengar yang taat dan senyap. Dalam konteks teater, Boal mendefinisikan ‘Teater bagi Golongan yang Ditindas’ (‘Theatre of the Oppressed’) sebagai satu bentuk penyertaan yang bukan berdasarkan pada fahaman klasikal; iaitu sebuah persembahan berbentuk ‘spectacle’ tetapi lebih kepada ciptaan sebuah forum atau ruang diskusi untuk menganalisis, membincangkan dan meneroka penyelesaian-penyelesaian berkumpulan terhadap ketidakadilan (Arendt.C:1996.Vol.40 [2]).

Teater bagi Golongan yang Ditindas (Theatre of the Oppressed) adalah satu bentuk teater yang popular, daripada, oleh dan untuk orang yang terlibat dalam perjuangan untuk pembebasan emosi. Ia adalah satu latihan teater yang direka untuk orang yang ingin belajar cara-cara menentang penindasan yang berlaku dalam kehidupan harian mereka. Teater bagi Golongan yang Ditindas (Theatre of the Oppressed) adalah mengenai melakukan aksi lebih daripada bercakap, menyoal lebih daripada sekadar memberi jawapan, menganalisis lebih daripada menerima (Boal.1992:xxiv). Persembahan teater tersebut seharusnya melibatkan ‘dialog’ dengan penonton dan bukan ‘percakapan sehala’ (‘one-way street talking’) seperti yang berlaku dalam teater konvensional atau realistik di mana hubungan intransitif mengambil alih; segalanya bergerak dari pentas ke auditorium, emosi, idea dan malah isu kemoralan dipindahkan ke arah tersebut dan tidak ada satu pun yang bergerak ke arah yang sebaliknya. Secara kontras, dalam Teater bagi Golongan yang Ditindas (Theatre of the Oppressed), dialog dicipta; ketransitifan bukan sekadar ditolerasikan tetapi ia digalakkan secara aktif. Teater bagi Golongan yang Ditindas (Theatre of the Oppressed) adalah satu hubungan transitif di mana pelakon itu bukan sahaja menyampaikan ucapannya tetapi penonton juga perlu menjawab apa yang dilihat dan didengar. Ia adalah jalan dua hala. Teater itu bertanyakan soalan kepada penonton dan mengharapkan jawapan (Boal.1998:20). Semua manusia mempunyai keinginan dan keperluan untuk berkomunikasi dan ketidakwujudan komunikasi akan mengakibatkan penindasan.

Teater bagi Golongan yang Ditindas (Theatre of the Oppressed) adalah teater yang dipolitikkan dengan satu perbezaan: tidak didominasi oleh penulis drama secara sosial dan juga secara politik, tetapi satu acara di mana ‘spect-actor’ secara literal membuat semula dunia ini (Lavender.1995:32). Aspek utama Teater bagi Golongan yang Ditindas (Theatre of the Oppressed) adalah memposisikan semula hubungan pelakon-penonton supaya tidak ada pemisahan di antara pelakon dan penonton. Teater ini mengundang penonton supaya memberi sumbangan dengan mengambil bahagian dan mencuba idea-idea mereka sendiri: mereka akan nampak satu watak, mereka akan nampak masalah mereka, mereka akan nampak diri mereka dikalahkan oleh masalah mereka dan mereka patut buat sesuatu terhadap masalah tersebut.

Boal melihat teater sebagai satu senjata yang sangat efisien untuk pembebasan (Boal.2000:ix). Teater bukan sahaja untuk hiburan tetapi juga satu medium untuk perubahan sosial. Teater bagi Golongan yang Ditindas (Theatre of the Oppressed) adalah teater gaya penyertaan. Tiada pelakon terlatih yang terlibat tetapi orang awam, bermotivasi untuk menulis skrip dan berlakon dalam teater yang dicadangkan oleh Boal. Masalah-masalah yang digambarkan dalam Teater bagi Golongan yang Ditindas (Theatre of the Oppressed) adalah dijana daripada pengalaman harian penonton. Boal dengan penuh tekad tidak mengenakan definisi penindasan daripada perspektif kefahaman yang khusus, tetapi menerima babak yang dilihat oleh penonton sendiri sebagai penindasan. Selaras dengan keinginannya untuk memberi kuasa kepada ‘penonton’, setiap orang digalakkan untuk mengambil bahagian dalam senario-senario pendek yang dimainkan. Bagi Boal, teater adalah “seni melihat kepada diri sendiri... Semua manusia adalah Pelakon (mereka berlakon!) dan Penonton (mereka menonton!). Mereka adalah ‘Spect-actors’” (Boal.1992:xxx).

Walaupun Teater bagi Golongan Yang Ditindas (Theatre of the Oppressed) dibantu oleh seseorang yang tahu bentuk-bentuk struktural teater tersebut, dan seseorang yang boleh menggalakkan perbincangan, namun tidak ada pengarah artistik yang terlibat dalam teater ini dan sesiapa pun boleh mencadangkan perubahan-perubahan dalam cara suatu babak dimainkan. Penonton bukan sahaja memberi komen pada aksi, malah mencelah secara langsung dalam aksi tersebut, mengambil bahagian sebagai protagonis dan cuba untuk membawa pementasan tersebut kepada kesimpulan yang berbeza. Ia adalah sejenis terapi sosial di mana orang (penonton) bukan sahaja menonton pementasan tersebut malah digalakkan untuk turut serta dalam pementasan itu serta memberi idea dan penyelesaian kepada masalah-masalah. Para penonton bukan lagi penerima pasif; ia adalah satu perhimpunan ‘spect-actor’ (penonton aktif) yang membawa pengalaman mereka sendiri dan cadangan-cadangan kepada soalan, “Apa yang perlu dibuat?”. Dalam erti kata lain, setiap orang bertanggungjawab atas tindakan mereka sendiri dan apabila masalah timbul, semua patut melibatkan diri dalam mencari cara-cara yang boleh menyelesaikan masalah dan tidak sekadar bergantung kepada pihak berkuasa, ahli-ahli politik atau para akademik untuk tampil memberikan jawapan.


Kategori-kategori Teater bagi Golongan yang Ditindas (Theatre of the Oppressed)

Boal telah membahagikan Teater bagi Golongan yang Ditindas (Theatre of the Oppressed) kepada empat kategori yang berkaitan antara satu sama lain: Teater Imej (Image Theatre), Invisible Theatre, Teater Forum (Forum Theatre), dan Rainbow of Desire.

Teater Forum adalah permainan berbentuk teater di mana masalah ditunjukkan dalam bentuk yang belum selesai, yang mana ‘spect-actor’ dijemput untuk mencadangkan dan melakonkan penyelesaian. Masalah itu selalunya adalah simptom penindasan dan melibatkan sekumpulan penindas dan seorang protagonis sebagai yang ditindas. Dalam bentuk yang paling asli, kedua-dua pelakon dan ‘spect-actor’ adalah mangsa-mangsa penindasan (Boal.1992:xxi). Itu adalah kerana mereka boleh menawarkan penyelesaian alternatif, kerana mereka sendiri secara peribadi terlibat dengan penindasan dan mengalami penindasan. Teater Forum adalah bersifat aktif, berbentuk interaktif yang melibatkan penonton dalam debat berteater dengan pelakon dan dengan satu sama lain dalam satu percubaan untuk melihat isu-isu penindasan dalam pelbagai situasi dan dengan had penyertaan yang besar. Teater Forum dicadangkan sebagai latihan untuk kehidupan sebenar, menawarkan orang ramai pelbagai strategi praktikal untuk kehidupan.

Bentuk Teater Forum

Teater Forum adalah bentuk ‘pertandingan’ di antara ‘spect-actors’ yang cuba membawa pementasan itu ke penghujung yang berbeza di mana kitaran penindasan telah diputuskan dan pelakon (antagonis) yang mencuba segala usaha untuk membawa pementasan tersebut ke penghujung yang asal di mana yang ditindas telah dikalahkan dan penindas telah berjaya (Boal.1992: xxi). Prosiding itu dibimbing atau dibantu oleh seorang yang dipanggil ‘Joker’ yang berfungsi untuk memastikan aliran permainan dan mengajar penonton peraturan-peraturan permainan. ‘Joker’ itu juga boleh diganti oleh mana-mana ‘spect-actors’ jika dia tidak berlaku adil. Peraturan permainan boleh ditukar atau diubah jika penonton ingin mengikut adat dan budaya mereka. Pelbagai penyelesaian berbeza boleh dilakonkan ke arah forum tunggal. Teater forum tidak pernah mengenai usaha memudahkan yang benar dan salah, mahupun menjadi sebuah teater didaktik. Teater Forum adalah mengenai sejumlah orang yang percaya pada sesuatu dalam sedetik masa, dan apa yang dipercayai oleh sejumlah orang tersebut tidak semestinya sama seperti apa yang difikirkan oleh sejumlah orang lagi. Manusia melihat atau merasa masalah daripada perspektif yang berbeza bergantung kepada pengalaman mereka dalam kehidupan. Titik fokus Teater Forum bukan sahaja untuk cuba menyelesaikan sesuatu masalah, tetapi, juga untuk menjadikan manusia lebih sedar kepada sesuatu masalah, melihat sesuatu masalah daripada perspektif yang berbeza dan membuat manusia sedar bahawa ada beberapa cara untuk berurusan dengan masalah tersebut (Boal.1995:xix).

Dramaturgi Teater Forum

Di dalam memastikan keberkesanan Teater Forum, kita perlu memahami elemen-elemen yang terdapat di dalam Teater Forum.

Fungsi-fungsi Pelakon

Teater Forum memerlukan banyak improvisasi, kespontanan, kreativiti, imaginasi dan kadangkala inovasi. Kreativiti dan kespontanan adalah sangat penting bagi pelakon-pelakon dalam Teater Forum (Boal.1992:237). Dalam persembahan mereka mesti tiada sedikit pun sikap keangkuhan yang ditunjukkan yang biasanya didapati dalam persembahan teater yang biasa, kerana persembahan anti-model sepatutnya menyatakan kesangsian. Setiap aksi dan frasa seharusnya mengandungi kepalsuan proposisinya sendiri yang mana dapat membuka kemungkinan untuk menyatakan yang berlawanan dengan apa yang dipersembahkan. Mana-mana gaya berbentuk teater adalah dibenarkan jika ia dapat mencapai objektif forum tersebut. Pelakon-pelakon mestilah mempunyai gaya fizikal lakonan, di mana mereka dengan jayanya boleh menyerlahkan ideologi, kerja, fungsi sosial dan profesion watak mereka (Boal.1992:19). Pelakon itu tidak akan ‘menjadi’ watak tersebut seperti dalam pendekatan Stanislavkian untuk berlakon, malah pelakon sekadar ‘mendemonstrasikan’ sikap watak tersebut sementara mengekalkan kebebasan untuk memberi komen pada aksi-aksi orang yang mana perangainya sedang dilakonkan oleh pelakon tersebut. Pelakon-pelakon itu juga mesti cuba untuk menginterpretasikan semua watak, tidak sekadar memberi fokus kepada watak sendiri sahaja, yang mana bermaksud setiap pelakon tidak semestinya bertumpu kepada wataknya, tetapi mesti memberi jumlah masa yang sama untuk mempelajari watak-watak yang lain (Boal.1992:19). Usaha ini dibuat untuk mengelakkan daripada memberi pelakon yang sama watak yang sama dua kali kerana pengagihan watak dibuat di setiap babak. Tambahan pula dengan mengarah pelakon-pelakon dengan watak-watak yang bertentangan, dapat mengurangkan indentifikasi mereka dengan watak mereka dan memudahkan pemahaman yang mendalam bagi watak yang lain.

Semasa forum itu berlangsung, pelakon-pelakon mestilah sangat dialektik, kreatif dan mestilah spontan ketika menghadapi ‘spect-actors’ (Boal.1992:237). Apabila mereka mengambil kedudukan yang bertentangan dengan seorang ‘spect-actor’/protagonis yang ingin mematahkan penindasan, mereka mesti menunjukkan bahawa penindasan tidak mudah dikalahkan. Mereka mesti menunjukkan kerumitan, yang mana akan timbul, sementara mengekalkan cara yang akan menggalakkan ‘spect-actor’ tersebut mematahkan penindasan. Ini bermakna bahawa, semasa masih menentang setiap fasa dan aksi, mereka mesti membangunkan ‘spect-actor’ itu ke kedudukan yang lain, pendekatan yang lain. Bukan itu sahaja, pelakon itu mesti tahu bila perlu ‘berundur’. Semasa menghalang percubaan untuk mematahkan penindasan, mereka seharusnya merangsang ‘spect-actor’ itu untuk mencapai matlamatnya. Ini adalah sangat penting diingat bahawa sekiranya pelakon itu terlalu tegas, yang mana cukup biasa dengan pelakon-pelakon profesional, pelakon itu akan melemahkan dan menakutkan ‘spect-actor’ tersebut. Manakala, sekiranya pelakon itu terlalu lembut dan lemah, dia akan mengelirukan ‘spect-actor’ itu untuk percaya bahawa masalah yang dimainkan dalam pementasan itu lebih mudah diselesaikan daripada yang difikir oleh ‘spect-actor’ itu (Boal.1992:237). Boal membandingkan kemampuan yang perlu ditunjukkan oleh pelakon-pelakon Forum dengan kesan aisberg:

Di atas lautan, hanya 10% aisberg sahaja yang tampak – maka itulah yang kita
Tunjukkan pada watak itu. Namun, ada 90% lagi aisberg di bawah lautan
– itulah bahagian yang terbesar dalam watak itu, yang mana ia ditunjukkan
hanya bila perlu; pelakon yang melakonkan watak ini mesti tahu bahagian 90%
itu apa yang akan dilakukannya jika ditekan. (Johnston C, 1998: 239).

Pelakon mesti tahu bagaimana memberi dan menerima dan bagaimana bertahan dan meneruskan. Mereka tidak harus takut kehilangan tempat mereka sebagai pelakon kerana apa yang dikehendaki oleh teater forum adalah respons aktif dan maklum balas daripada ‘spect-actors’.

Protagonis

Protagonis (watak yang ditindas) mewakili watak yang konkrit daripada realiti. Ini adalah satu-satunya fungsi di mana satu hubungan yang sempurna dan kekal di antara pelakon dan watak itu berlaku. Seorang pelakon menggambarkan seorang protagonis. Di sini empati berlaku. Terdapat beberapa syarat untuk menjalankan fungsi ini, di mana pelakon boleh menggunakan interpretasi Stanislavskian (Boal.1970:93). Pelakon tidak boleh melakonkan lebih daripada apa yang watak itu boleh lakukan sebagai manusia. Pelakon itu mesti berkelakuan seperti watak itu; mempunyai pandangan seperti watak itu dan bukan diri pelakon itu sendiri. Kewujudannya tidak pernah diganggu walaupun ‘Joker’ itu mungkin akan menganalisis beberapa butiran pementasan itu dengan menemuramah pelakon itu, pelakon itu akan menjawab seperti watak yang dilakonkan (Boal.1970:93). Pelakon itu adalah satu lambang “cebisan dari kehidupan” (“slice of life”), dokumentari kehidupan dan perkara sebenar. Protagonis tidak semestinya selari dengan watak utama. Walaupun begitu, ciri-ciri yang disebutkan itu masih boleh disesuaikan. Pelakon yang memainkan watak protagonis tidak perlu sama seperti orang yang sebenar. Ia akan menjadi lebih baik jika personaliti watak-watak dipersembahkan dalam bentuk komik atau bersifat sindiran kerana untuk memberitahu atau menunjukkan kelemahan dan masalah manusia itu adalah satu perkara serius, dan kadangkala ia boleh menyakitkan perasaan.
‘Spect-actor’

‘Spect-actor’ adalah istilah ciptaan Boal untuk menerangkan salah seorang daripada penonton yang mengambil bahagian dalam lakonan dalam apa juga cara. ‘Spect-actor’ adalah seorang penonton yang aktif seperti yang menentang kepasifan yang biasanya berhubung kait dengan peranan penonton. ‘Spect-actor’ datang daripada dua perkataan yang berlainan: spectator (penonton) adalah seorang yang duduk dan menonton suatu aktiviti tanpa turut serta, dan actor (pelakon) adalah seorang yang berpura-pura menjadi seseorang semasa berlakon dalam filem, persembahan teater, atau program television atau radio. Dalam kes ini, ‘spect-actor’ bermaksud seseorang atau salah seorang daripada penonton yang mencelah dalam satu senario atas pentas yang belum selesai untuk cuba memutuskan satu kitaran bergambarkan penindasan (pementasan tersebut) (Boal.1992:xxiv). ‘Spect-actor’ boleh menggantikan pelakon dan kadangkala mengubah suai watak itu tetapi dia mestilah menghormati masalah yang ‘diberi’. Dia tidak boleh menukar keadaan sosial yang diberi oleh masalah itu. Dia tidak boleh mengubah hubungan keturunan antara watak, zaman, status ekonomi, yang mana mensyaratkan lakonan mereka. Jika faktor-faktor ini diubah, penyelesaian-penyelesaian itu tidak akan berguna kerana penyelesaian-penyelesaian itu hanya boleh diaplikasi ke atas kes-kes yang tidak berkaitan dengan yang telah dicadangkan dalam model itu. Kedua, pelakon itu hanya boleh mengubah ciri-ciri motivasi bukan motivasi watak. Bagaimanapun, dalam menentukan kejayaan Forum Teater, latar belakang ‘spect-actors’ perlu dijelaskan. ‘Spect-actors’ mestilah datang daripada latar belakang atau budaya atau berkongsi masalah yang sama dan sudah lazim dengan situasi yang disembahkan. Jika tidak, ‘spect-actors’ itu tidak akan dapat melibatkan diri mereka dalam forum itu kerana mereka tidak akan memahami keadaan masalah yang disampaikan.
Korus (Chorus) / ‘Coryphaeus’

Korus dibahagikan kepada dua iaitu deuteragonis dan antagonis. Deuteragonis melakonkan peranan yang menyokong protagonis, seperti yang dikatakan oleh Boal sebagai korus “baik” (Boal.2000:182). Manakala antagonis mewakili peranan-peranan berlawanan atau korus “jahat”. Setiap seorang mempunyai ‘coryphaeus’nya sendiri. Korus boleh menggantikan ‘Joker’, misalnya, apabila ‘Joker’ memainkan watak protagonis (Boal.1970:93). Korus tidak perlu mempunyai jumlah pelakon yang tetap dan jumlahnya mungkin berubah daripada satu episod ke satu episod yang lain.

Kostum

Terdapat dua jenis kostum, yang asas berkaitan dengan fungsi dan korus di mana fungsi itu terletak. Satu kostum lagi berkaitan tidak kepada setiap watak tetapi kepada peranan-peranan sosial yang berbeza yang akan dilakonkan semasa konflik pementasan itu. Hanya satu kostum sahaja yang akan dibenarkan untuk setiap peranan sosial. Jika terdapat dua atau lebih pelakon yang melakonkan watak yang sama pada pentas yang sama pada masa yang sama, maka kostum itu mestilah boleh digunakan oleh sebilangan pelakon dengan serentak dan membolehkan para penonton mengenal pasti secara visual semua pelakon yang melakonkan watak yang sama. Watak-watak itu mesti boleh dikenal pasti melalui pakaian yang dipakai dan objek-objek yang digunakan (Boal.1992:235). Sering kali penindasan digambarkan dalam pakaian, dalam kebendaan. Objek-objek dan pakaian mestilah nyata, dikenakan, jelas dan merangsang. Lebih banyak perhatian diberikan ke atas estetik persembahan itu, lebih lagi ia akan merangsangkan, dan lebih ramai penonton yang akan mengambil bahagian. Ini mempunyai hubungan dengan persona dramatik di mana seorang ‘spect-actor’ di dalam kostum wataknya akan rasa lebih dilindungi. Dia lebih bebas dan kreatif. Bagaimanapun, yang paling penting sekali adalah, kostum-kostum itu mesti mudah bagi ‘spect-actors’ itu untuk keluar dan masuk daripada kostum itu, dengan kekalutan yang minimum.
Orkestra Bunyian (Choral Orchestra)

Muzik mempunyai kuasa, bebas daripada konsep-konsep, untuk menyediakan penonton dalam cara yang segera, secara imaginatif, untuk penerimaan teks-teks yang hanya boleh diserap melalui sebab pengalaman itu (Boal.2000:170). Instrumen-instrumen asas yang dicadangkan oleh Boal adalah gitar, seruling dan gendang (Boal.1970:93). Pemuzik-pemuzik boleh juga memainkan instrumen-instrumen yang lain. Ini boleh daripada sebarang instrumen muzikal dan bergantung kepada pengaruh-pengaruh masyarakat dan budaya. Selain daripada sokongan muzikal, orkestra itu juga menyanyi, bersendirian atau bersama dengan coryphaeus, segala komen adalah bersifatkan informatif atau imaginatif. Ada kalanya orkestra itu juga berfungsi untuk membantu ‘Joker’ untuk membuat demonstrasi, menjelaskan cerita, pengisian semasa pertukaran babak, menimbulkan mood persembahan dan lain-lain (Boal.1970:93).
signed Daddy Long-Legged
MARVEL and SPIDER-MAN: TM & 2007 Marvel Characters, Inc. Motion Picture © 2007 Columbia Pictures Industries, Inc. All Rights Reserved. 2007 Sony Pictures Digital Inc. All rights reserved. blogger templates